La linterna mágica

El rey de la escena

2004-07-11T14:30:00.000+02:00

"All the world's a stage,
And all the men and women merely players.
They have their exits and their entrances,
And one man in his time plays many parts,
His acts being seven ages."

-As You Like It (II, vii, 139-143)

Con todos los respetos para Brando, hay varios actores que pueden disputarle tranquilamente ese supuesto título de mejor actor del siglo XX. Uno de ellos es Laurence Olivier, que precisamente, representa lo opuesto a Brando en cuanto a técnica de interpretación. Él mismo lo expresó con inefable exactitud cuando en el rodaje de Marathon Man, Dustin Hoffmann le preguntó a Olivier cómo meterse en la piel de su personaje, y Olivier le respondió burlonamente: "Es fácil: sencillamente interprétalo". Sir Laurence Olivier contrapuso los excesos del Actor´s Studio a los excesos de la siempre fértil escuela de Shakespeare.
Que los actores ingleses son mejores que los americanos apenas merece discusión. Hay dos películas que lo muestran a la perfección: Espartaco y La guerra de las galaxias. En Espartaco (aunque esto no deja de ser una opinión personal), la distinción de los romanos respecto a los esclavos puede verse en sus actores: Kirk Douglas y Tony Curtis son dos sombras al lado de Laughton y Olivier (que da aquí uno de los papeles más complejos y ricos de su formidable carrera). En Star Wars, sólo hay que comparar a Alec Guiness, Peter Cushing, Ian McDiarmid y Christopher Lee con todo el resto: no hay ni color. Al lado de Palpatine, todos los personajes de la nueva trilogía son títeres, y la metáfora es acertada.
Pero volvamos a Olivier. Sabido es que despreciaba el cine (al igual que Brando). Prefería el teatro, donde según dicen, dio lo mejor de sí mismo. Los que no hemos podido vivir en Londres en la época en que Olivier, Guiness, y Richard Burton deslumbraban con sus interpretaciones del bardo de Stratford nos hemos perdido algo absolutamente irrepetible. Laurence Olivier maltrató a Marilyn Monroe en El príncipe y la corista: para él, ella no era más que una ninfa caprichosa. Donald Spoto ya se encargó, en una célebre biografía, de destapar la homosexualidad (visible en su amaneramiento) del gran actor, a pesar de su matrimonio con la célebre Vivien Leigh.
Su filmografía puede dividirse en varias etapas. En la de juventud, destacó en dos películas fallidas a su pesar: Cumbres Borrascosas, de William Wyler, y Rebeca, probablemente la película más irritante de Hitchcock. Tal vez consciente de ello, Olivier decidió tomar las riendas él mismo y dirigió tres películas memorables basadas en su autor amado: Enrique V, Ricardo III y Hamlet. De ellas, mi preferencia personal se decanta por el viscoso y jorobado Gloucester.
Después de su desafortunado encuentro con la Monroe, se retiró del cine hasta su glorioso retorno en la ya mencionada Espartaco, donde hace el ambigüo papel de Marco Licinio Craso, uno de los villanos más atractivos de la historia del cine, y un reflejo indisimulado del propio Olivier. En 1965, sorprendió a propios y extraños con su sobria interpretación de detective en la impresionante El rapto de Bunny Lake, del injustamente olvidado Otto Preminger.
Su última interpretación maestra para la gran pantalla se la debemos a J.L. Mankiewicz, que dio el broche de oro a su carrera personal con La huella. Muchos dicen que Olivier es superado por Michael Caine (en otro papel excelente para un actor excelente): es cuestión de opiniones. Lo que sí me parece es que Olivier parece divertirse como nunca haciendo de decadente escritor de novelas policíacas, aristocrático y amante de los juegos hasta el mismo extremo. De hecho, es muy difícil separar a los dos personajes de sus dos actores en esta extraña e increíble película.
Hizo otros dos papeles dignos de mención después de ese, en Marathon Man, como villano, y en Los chicos del Brazil, como héroe (por así decirlo). Papeles crepusculares donde puede verse aún su grandeza, aunque su gran testamento final sea quizás su papel como Lord Marchmain en Retorno a Brideshead, la gran serie de televisión, donde hizo doblete con su viejo amigo John Gielgud, otro gigante de la escena clásica.
Sería injusto acabar esta semblanza sin mencionar algunas adaptaciones de Shakespeare, para el cine y la televisión, dignas de admiración, y donde demostró su increíble registro. Hizo de Othello en una magnífica versión de Stuart Barge, que tiene la mala suerte de estar a la sombra de Orson Welles (que como actor era inferior a Olivier). También hizo de Shylock en un estupendo Mercader de Venecia para la televisión, y, cómo no, de Rey Lear en otra adaptación televisiva. Son tres rarezas relativas que vale la pena buscar, y quizás encontrar.

Furia oriental

2004-07-08T13:21:00.000+02:00

Una especie de pudor personal me impide escribir un post al uso sobre Takashi Miike, el director más prolífico y creativo que el cine japonés está dando. La razón es bien sencilla: sólo he podido ver una película suya, Audition, que me parece una incontestable obra maestra. Semejante logro da lugar a pensar que el resto de su filmografía, a tenor de lo que se comenta en todas partes (Angel Sala no se cansa de decirlo) es igualmente atractiva. Pero, dadas las circunstancias de exhibición en España, voy a hacer lo único que puedo: que sigáis el mismo proceso que he seguido yo.

1) Películas de Takashi Miike que merecen su distribución en nuestro país:

-Trilogía Dead or Alive

-Visitor Q

-Ichi the Killer

-Gozu

2) Información de Takashi Miike en Internet:

-Filmografía completa en IMDB

-Un buen estudio introductorio a cargo de Nipoweb.

-Link al mejor libro sobre su obra en Amazon.

3) Y por último, sus últimos títulos, que están causando sensación en todos los Festivales y mercados internacionales: One Missed Call, Zebraman, e Izo, cuyo trailer acaba de aparecer en la Red.

El soñador rebelde

2004-07-06T14:42:00.000+02:00

La verdad es que no voy a analizar toda la filmografía de Terry Gilliam. Era difícil de creer que el tipo que realizaba las animaciones de los Monty Python, o que como mucho hacía personajes extraños como el cardenal Phang, llegara a ser el más destacado de todos con cierta diferencia. Por eso he decidido dejar atrás las películas ligadas al grupo, porque Brazil marca un punto total de distanciamiento, y el principio de una filmografía llena de imaginación, logro y fracaso.
Brazil, de hecho, es una de las cumbres del cine fantástico y una de las películas más densas que pueden verse. Hay una idea en cada plano, virtualmente. Por lo demás, el tema de Brazil, que es el tema principial de Terry Gilliam, que es uno de los pocos temas universales, es el conflicto entre la fantasía y la gris realidad. De hecho, en las aventuras del Barón de Munchausen, observamos, bajo la máscara de unas peripecias fantásticas, los fantasmas del ocaso y la melancolía.
Esa deliciosa película fue un fracaso tremendo. Así que, para seguir adelante, Gilliam cedió con El rey pescador, su película más blanda e inofensiva, que aún así tiene sus buenos momentos, en particular aquellos en que un irritante Robin Williams cree encontrarse con un caballero medieval en medio de Nueva York.
El bombazo lo dio con 12 monos. Tal vez por el tirón de las estrellas del reparto, o tal vez porque caló de alguna manera, fue el mayor éxito de su director. Con todo merecimiento: Gilliam vio en un cortometraje de Chris Marker, la Jetée, que retrataba un mundo postnuclear, un punto de partida para desplegar todo su catálogo de obsesiones. El diseño de producción es excelente, y la historia, de un gran fatalismo y una sombría complejidad. En ese sentido, toda la escena del manicomio resulta absolutamente ejemplar.
Después del alivio, Gilliam pudo permitirse la excentricidad de adaptar una novela de Hunter Thompson (y superarla) en Miedo y asco en las Vegas, que, curiosamente, es mi película favorita de su director. La odisea de estos dos personajes en una ciudad enloquecida a través de un itinerario casi suicida en el cual todo tipo de sustancias entran en sus cerebros consigue una mezcla de diversión y tristeza que rara vez suele verse con acierto. Por supuesto, fue un monumental fracaso.
No había, pues, director más capacitado para dirigir una versión del Quijote que Gilliam. La historia de Cervantes resume perfectamente el choque entre sueños y realidades que constituye el eje principal de su vida y su cine. El hombre que mató a Don Quijote, sin embargo, no llegó a puerto: una serie de desgracias dignas de Orson Welles frustraron el sueño. Pero nos queda un magnífico documental, Perdido en la Mancha, que retrata todas esas fatalidades y muestra lo que pudo ser la gran película de Gilliam.
Pero el caballero no se rinde. Ya ha acabado su última película, los Hermanos Grimm, una fantasía libre en la que los dos escritores son personajes de ficción. Visión obligada, más no puedo decir. Y tiene más proyectos en cartera, todos ellos igualmente estimulantes.

Lunes al Sol

2004-07-05T11:02:00.000+02:00

Ya ha empezado el Verano, y muchos ya han empacado sus cosas para disfrutar de sus merecidas vacaciones. No preocuparse, que el jorobado sigue en Notre-Dâme tañendo las campanas para todos. Hoy Lunes, pequeño y espero que refrescante boletín de noticias:

-El festival de cine fantástico de Neuchatel ha premiado El maquinista, una película de la que ya se venía hablando, dirigida por Brad Anderson (cuya Sesión 9 no está nada mal), y, por lo que dicen, portentosamente interpretada por Christian Bale. Está producida en nuestro país, así que me imagino que podremos verla algún día.

-Esta noche el Garci (cosas del azar) emite la magnífica El hombre de Alcatraz, de John Frankenheimer. Hace dos semanas, emitieron de madrugada y en versión original Vencedores y Vencidos, de Stanley Kramer. Un excelente doblete de películas del grandioso Burt Lancaster en su mejor forma.

-Mientras este Julio yo me preparo para comprarme la última temporada de Futurama y poco más, Harry Knowles se prepara para comprar todas estas maravillas, la mayoría de las cuales no llegará nunca aquí. Hay una en particular que le va a gustar mucho a quien yo me sé. Yo por mi parte, acabaré viviendo en Estados Unidos, está claro.

El mejor Brando

2004-07-02T19:38:00.000+02:00

-Un tranvía llamado deseo (1951), de Elia Kazan

-Viva Zapata (1952), de Elia Kazan

-Julio César (1953), de J.L. Mankiewicz

-La ley del silencio (1954), de Elia Kazan

-Sayonara (1957), de Joshua Logan

-El baile de los malditos (1958), de Edward Dmytryk

-El rostro impenetrable (1961), de Marlon Brando

-La jauría humana (1966), de Arthur Penn

-El Padrino (1972), de F.F. Coppola

-El último tango en París (1972), de B. Bertolucci

-Superman (1978), de Richard Donner

-Apocalypse Now (1979), de F.F. Coppola

Mundos sin fin

2004-06-30T05:22:00.000+02:00

Hoy voy a hablar de uno de esos hombres a los que el cine se lo debe todo. Georges Méliès fue uno de los afortunados franceses que estuvo presente en la famosa sesión de París que dieron los Hermanos Lumiére. También fue un gran admirador de la magia de Robert Houdin. De la suma de ambas pasiones salió el mago del cinematógrafo. Hizo unos 500 cortos de cine de la más variada temática (de los cuales sólo queda una décima parte), entre ellos los célebres Viaje a la Luna y La Conquista del Polo. Este hombre inventó prácticamente todos los trucajes visuales desde el momento en que descubrió que si cortaba el rodaje de una escena y lo reanudaba después con otros elementos en ella, el resultado era sorprendente: desapariciones, apariciones y transformaciones. Pero no se conformó con eso: Méliès inventó la doble exposición, el plano dividido, los fundidos y encadenados, el stop motion, la superposición óptica, el uso de maquetas, las transparencias y la pantalla negra. En su momento, asombró al mundo como nadie después de él lo ha vuelto a hacer. Hasta la llegada de los ordenadores, todos los efectos especiales del cine están basados en sus técnicas pioneras, que desarrolló en la primera década del siglo XX. Era un hombre de una gracia infinita y una fantasía portentosa. Este gran genio no supo adaptarse a los rápidos cambios que la industria experimentaba incesantemente en sus inicios, y acabó sus días vendiendo juguetes y golosinas en un puestecito de la estación de Montparnasse. La deuda que tenemos con él los que vamos al cine a soñar es inabarcable.

La jungla de asfalto

2004-06-28T16:07:00.000+02:00

Joel Schumacher es uno de esos directores que hacen fruncir el ceño al aficionado al así llamado cine de autor, una expresión que por cierto me resulta irritante: como si hubiera alguna película que no tuviera autor. Su filmografía es muy irregular, ciertamente, pero yo juzgo a un artista por sus mejores obras, no por las peores. Si Charles Laughton hubiera dirigido veinte bodrios después de La noche del cazador, no le restarían el mérito. Y, desde cierto punto de vista, Welles nunca superó su película inicial, aunque eso ya es bastante discutible.
Así que no es cuestión de juzgar a Schumacher (quien por cierto, en una entrevista dijo que había visto el mal en Internet, unas palabras muy interesantes) por sus ridículas aportaciones a la saga de Batman (aunque Tim Burton ya había empezado a estropearlo en la segunda), sino por una no reconocida trilogía de películas urbanas que nos muestran a un director con un pulso envidiable y una gran capacidad para la inquietud y el suspense.
La mejor para mi gusto es Un día de furia, con la que sorprendió a todo el mundo. La vi un día de verano en el Cine Urgel (donde vi E.T. de pequeño, que nunca desaparezca), un día de calor parecido al que se retrata en su historia. Adoro la gran ciudad, pero viendo esta película, que es un precedente clarísimo de Seven, identifiqué claramente los fallos que la ciudad tiene como comunidad humana. Dependientes malhumorados que te cobran mucho por poco, hamburguesas que no tienen nada que ver con la foto, riqueza y miseria conviviendo a pocas calles, locura escondida tras las paredes, como diría el Joseph Cotten de La sombra de una duda. Lo que todos perdonamos, lo que todos toleramos, es lo que no tolera el señor D-Fens (probablemente, el papel cumbre de Michael Douglas), lo que lo hace estallar. El duelo que mantiene con el detective Prendergast (maravilloso Robert Duvall) es memorable y su resolución ("¿Yo soy el malo? Tendrías que ver esta ciudad"), ejemplar.
Asesinato en 8 mm ha sido muy injustamente tratada, en mi opinión. Me gustó cuando la vi en el cine, y cada vez que la veo me gusta más. Es, junto con Hardcore de Paul Schrader, el acercamiento más serio que he visto a la leyenda urbana de las snuff movies. Nicolas Cage hace un papel excelente como detective que se sumerge más y más en la mierda para aclarar un asesinato que no le importa a casi nadie. Sin embargo, el tema real de la película es la diferencia moral entre los ricos y los pobres. Max California (Joaquin Phoenix) está metido en un mundillo que no satisface sus necesidades intelectuales, porque no ha tenido otra salida, al igual que la joven actriz asesinada, sólo para divertimento de ricos espantosamente aburridos, que usan a la gente a su antojo. En ese sentido, es enormemente significativa la normalidad total del hombre llamado La Máquina tras su máscara ( "¿Qué esperabas encontrar? ¿Un monstruo?"), una patada a la moral que se basa en las apariencias.
Última Llamada era un muerto que nadie quería coger, uno de esos guiones que pasan de mano en mano durante años hasta que al final alguien se decide a rodarla (como Collateral, película a estrenar de Tom Cruise, y de la que hablaré en su momento). Es una película cortita, no llega ni a la hora y media, pero tiene tanta intensidad que parece que sea mucho más larga. Aquí ni siquiera sabemos el nombre del francotirador, sólo sabemos que tiene la profunda voz de Kiefer Sutherland (viejo amigo de Schumacher desde Jóvenes Ocultos y Línea Mortal, que por cierto son dos títulos la mar de entretenidos). Y Colin Farrell (que le debe su estrellato al director de Tigerland), borda el papel (en principio pensado para Jim Carrey, que hubiera tenido su gracia) de relaciones públicas de dudosa moral: sin embargo, no es fácil simpatizar con su acosador ("Tuve una infancia maravillosa"), porque las faltas de Stu Shepard son mínimas. Aquí el conflicto tiene un cierto caracter religioso: a Stu se le ofrece una posibilidad de redimirse a través del sufrimiento. El uso de la pantalla partida (a imitación de Richard Fleischer y Brian De Palma) aumenta la tensión, sujeta con elementos mínimos, lo que redunda en su eficacia.
El villano de estas películas no es exactamente un personaje: D-Fens, la Máquina o el Francotirador no son malos en el sentido estricto de la palabra. En todos los casos, tienen un lado humano muy evidente: D-Fens adora a su hija, la Máquina es un hijo ejemplar, el francotirador tiene sentido de la justicia. El malo de estas películas es la gran ciudad, cuya frecuente inhumanidad crea monstruos familiares.

El poder de la imagen

2004-06-27T14:43:00.000+02:00

A menudo se dice que el cine es un mero entretenimiento. Uno entra en la sala, lo pasa bien con lo que ve, y cuando sale se va olvidando mientras abraza a su pareja. Incluso he leído a algún director de cine decir que su función no puede ir más allá. Eso es olvidar dos factores muy importantes: el poder de convocatoria del cine y su capacidad hipnótica. Los grandes dictadores del siglo XX no lo ignoraron en absoluto. Curiosamente, aunque sea un amante del cine clásico, nunca esos factores se han visto en tanta medida como en el momento actual. Los videojuegos e Internet le han dado una buena paliza a la literatura y a las grises aulas. No así al cine: a menudo me he maravillado con la reacción del público a determinadas películas. A veces me he asustado y todo. Cuando fui al cine local a ver la Pasión de Cristo, había una pareja detrás mío que murmuraba audiblemente, sobretodo el hombre. Es una cosa que me molesta muchísimo, así que decidí cambiarme de sitio. Sin embargo, a media película, se oyó un grito tremendo en la sala, para mi pasmo y divertimento. El tipo vociferó "¡Me cago en los judíos y en los romanos!". Pensé que no hacía falta por lo que a los romanos se refiere: los invasores bárbaros ya se cagaron en ellos hace algún tiempo, y dudo que se refiriera a los habitantes de la Roma actual. Sin embargo, me inquietó lo que dijo con respecto a los judíos. En el otro reverso de la moneda, vi dos veces, en dos cines muy distintos de Barcelona, La lista de Schindler. Esta película ha hecho mucho por la divulgación del holocausto: para muchos, eso no existía antes de ver la película. En un cine de versión original, mucha gente lloraba en silencio, incluido un servidor. En otro más generalista, un grupo de adolescentes se burlaba de la película. Pero, la pregunta que me hago ahora es: ¿y si se hubiera levantado alguien del público y hubiera dicho "me cago en los alemanes"?

Ultraviolencia y Beethoven

2004-06-25T02:13:00.000+02:00

A día de hoy, La naranja mecánica sigue siendo la película más polémica de Stanley Kubrick. En el momento de su estreno, fue una bomba de relojería: grupos de chavales vestidos como la pandilla de Alex prodigaban actos de violencia gratuita como fenómeno mimético de imitación. Escandalizado por ello, y presionado por la prensa inglesa, Kubrick, en un acto de poder nunca visto en un director, obligó a la Warner a suspender su estreno en el Reino Unido, donde permaneció censurada y sin estrenar durante muchos años, a pesar de su fenomenal éxito internacional.
No deja de ser una ironía. Aunque La naranja mecánica tiene momentos muy divertidos, es un retrato feroz y despiadado de la hipocresía humana, perfectamente coherente con la visión de Kubrick. Anthony Burgess se mostró moderadamente satisfecho con la adaptación de su brillante novela: probablemente ocultó la amargura de saber que su novela sería apenas recordada de no ser por la película. Sin negar los méritos del escritor en el resultado final (especialmente logrado es el lenguaje usado por los adolescentes), me referiré mayormente al film en cuestión.
En una de las primeras secuencias, el ataque al mendigo, éste suelta una frase inquietante: "Hay hombres en la Luna y nadie se preocupa de la ley y el orden en la Tierra". Posiblemente, sea una referencia a 2001: en la tienda de música, hay un disco con la banda sonora de la película. Es en esa tienda donde Alex (el gran papel de Malcolm McDowell), nos muestra uno de los rasgos que nos acercan peligrosamente a la identificación: su amor por "el divino divino Ludwig Van".
No me gusta demasiado interpretar las películas: prefiero verlas. Pero no puedo dejar de señalar que, si bien al principio Alex nos resulta tan repugnante como fascinante, Kubrick consigue lo imposible: devolver la tortilla a la sociedad que le rodea, y de paso, hacernos al personaje simpático y digno de piedad. En el Instituto Ludovico (quizás una referencia al músico), Alex es sometido a un brutal tratamiento psicológico (retratado de forma memorable en el film), que le hace sentir un asco físico por sus actos, aunque no impide que siga sintiendo el deseo de hacerlos. Es irónico que, para reformar al cruel adolescente, las instituciones usen la misma crueldad, aunque sea disfrazada de buenas intenciones, o la excusa para una campaña política.
La película nos deja desorientados a cada paso: cuando Alex sale de su reclusión, se encuentra pateado por los mendigos y por los policías (uno de los cuales es uno de sus ex compinches), sustituido por otro en su papel de hijo, y vengado de forma miserable por el venerable escritor al que antes había atacado. Sólo mientras Alex tiene poder, es respetado. Cuando lo pierde, y tiene una posibilidad de redención, las personas que antes estaban dominadas pasan a usar los mismos métodos que él usaba. La conclusión lógica es que todo el mundo usaría la violencia y la humillación de tener la oportunidad. Pero el irónico final nos muestra, con la mirada de Alex, que la rueda da muchas vueltas.
Todo esto podría ser atribuido a Burgess, y no sería especialmente digno de mención sino fuera por el tremendo tratamiento visual de la película, que no deja respiro y pasa continuamente de un momento brillante a otro: la escena de sexo a cámara rápida con las dos chicas, el ataque a la casa y la mujer del escritor, el ralentí del ataque de Alex a sus traidores amigos, el retrato de cómo Alex ve la Biblia en su mente, las sesiones de cine y sus lágrimas cuando le hacen odiar a Beethoven, la humillación pública del reformado ante un auditorio, el primer plano de odio y asco en la cara del escritor cuando oye a Alex "cantar bajo la lluvia".
Se ha dicho que la estética del film es anticuada. Es cierto: nadie sabe a ciencia cierta cómo puede ser la moda de un futuro más o menos lejano, pero también es cierto que las modas van y vienen, y que es perfectamente posible un mundo retro. Es algo que puede verse en cualquier parte. Pero, si la estética es anticuada (que también lo es en 2001, con aquellos sofás redondos y las recepcionistas con gorritos rusos), el mensaje no puede ser, viendo las noticias de cada día, más vigente y actual.

De todo un poco

2004-06-24T13:55:00.000+02:00

Hoy no es día de post largo, es San Juan y estoy dormitando, comiendo, holgazaneando... viviendo en suma! De todos modos, dejo notillas de cosas curiosas que me he encontrado navegando por los mares del espacio internáutico:

-Esta se me había escapado. Si alguien recuerda mi post sobre el Festival de Annecy, advertí que El Cid estaba nominada, pero que la gran favorita era Oseam. Apuntadme un tanto: ha ganado Oseam, pero eso no quita méritos a la nominación española.

-La película Indiana Jones y la última cruzada hace pequeñas menciones indirectas a un libro, el manuscrito Voynich, que es el único libro en la Historia de Europa que aún permanece totalmente indescifrado a pesar de todos los esfuerzos. Un apasionante misterio, del cual podéis encontrar aquí abundante información.

-Este fin de semana se estrena en USA la controvertida película Fahrenheit 9/11 de Michael Moore, que astutamente se ha metido en todo tipo de polémicas para aumentar su cuenta corriente, cosa a la que, como Mel Gibson, tiene perfecto derecho. Las reacciones críticas están siendo de todo tipo: yo me quedo con ésta en particular.

-Estos días visitar la mejor web sobre Star Wars vale la pena. Gary Oldman (que como recordaréis interpreta al comisario Gordon en Batman Begins, la otra gran megapelícula del año próximo), prestará su voz al principial villano del episodio III, el general Grievous. De todos modos, si sois fans del tema, visitad la página y saboreadla a fondo. Han colgado muchas cosas interesantes.

Paseos por la mente

2004-06-23T02:37:00.000+02:00

Este post está inspirado en el último comment del amigo JIP, que hablaba del cineasta David Cronenberg, uno de los directores más coherentes y perturbadores del cine moderno. Sus dos próximos proyectos, ya confirmados, no pueden ser más acertados a primera vista:

-A History of Violence (Estreno en 2005): Basado en un comic de John Wagner (Juez Dredd), cuenta la historia de un padre de familia (Viggo Mortensen) que mata a los atracadores de su restaurante en defensa propia, lo que atrae la mirada de los medios de comunicación, y despierta el turbio pasado de este hombre aparentemente pacífico.

-London Fields (Estreno en 2006): Basado en una novela de Martin Amis, es el relato de una clarividente en decadencia que se encuentra con dos hombres en un pub de Londres, y tiene la infalible premonición de que uno de los dos la matará, pero no sabe quién. De modo que decide humillar a ambos por igual.

Como puede verse, es material hecho a medida para el director canadiense, siempre dispuesto a bucear en el lado oscuro del alma humana. Cronenberg es uno de esos creadores que siempre voy a ver a ciegas, así que no pienso perderme ninguno de estos dos títulos.

Secuencias: Seven

2004-06-22T04:26:00.000+02:00

El detective Somerset y su compañero Mills están ante la puerta de alguien, siguiendo una pista del registro de bibliotecas del FBI. Los dos dudan sobre lo que hacer en el largo pasillo. Alguien sube por la escalera y, muy lejos, se queda parado. Los detectives lo miran. De repente, el desconocido dispara sobre ellos, pero no acierta y sale corriendo, bajando las escaleras. Mills y Somerset inician la persecución, pero Somerset, más viejo que su compañero, se queda rezagado enseguida. Mills registra por varios pisos del edificio, apuntando siempre con su pistola, como un perro al acecho. Cuando asoma por una de las ventanas, otro disparo le espera, pero tampoco le da. El desconocido, una sombra negra y veloz bajo la lluvia, baja por la escalera de incendios. Mills lo persigue, con una panorámica de la calle, pero el desconocido es muy rápido. La cámara enfoca el salto del perseguidor sobre el suelo mojado. En un momento, Mills lo pierde, y busca en un camión, despejando el terreno. Pero su búsqueda termina bruscamente cuando, desde una de las puertas del camión, una palanca le golpea en la cabeza, lo deja semiinconsciente, y pierde su arma. En un charco, vemos el reflejo de la silueta negra acercándose, amenazadora. Entonces el desconocido encañona a Mills en la mejilla, mientras la lluvia le cae sobre la cara y los labios. Vemos en primer plano la boca de la pistola que lo amenaza, pero el rostro del que la empuña está oscuro y desenfocado. El instante parece eterno. Súbitamente, el desconocido aparta el arma y desaparece.

Retrato de una era

2004-06-21T04:43:00.000+02:00

El 5 de este mes murió Ronald Reagan. La verdad es que su carrera como actor fue más bien gris, a excepción de su última película, Código del Hampa de Don Siegel. Sin embargo, su influencia en el mundo del espectáculo va mucho más allá de eso, pues las relaciones entre la situación sociopolítica y la cinematografía de un período son siempre evidentes.
Reagan es el presidente de la década de los 80, ni más ni menos. Las desvaídas presidencias de Gerald Ford y Jimmy Carter se habían traducido en un cine, el de los 70, desencantado y cínico en todos sus géneros. Reagan devolvió a los americanos la idea del sueño que se había perdido con la muerte de Kennedy. Su política coincidió, precisamente, con un momento en que el cine estadounidense volvió a soñar. Spielberg y Lucas, más o menos en el mismo momento, ofrecieron entretenimientos muy dignos y suavemente teñidos de cierta religiosidad que cambiaron la faz del cine, atrayendo de nuevo al público adolescente.
Hay varias películas y shows televisivos que ilustran perfectamente la década de los 80 en su evolución. Una de ellas es la trilogía Regreso al Futuro, que analizada con cierto detenimiento, es un ejemplo perfecto, mucho más sofisticado de lo que parece a primera vista. Hay algo de melancólico en esos viajes temporales que pueden arreglar el presente. No es casual que en la primera (y más depurada) película hayan referencias muy ingeniosas al presidente y sus pinitos como actor.
Otra película enormemente significativa es Wall Street, donde Oliver Stone retrata el mundo de los yuppies y el dinero relativamente fácil que los envuelve. Gordon Gekko (un papel que consagró a Michael Douglas), no tiene escrúpulos para conseguir lo que quiere. Gekko, como heraldo de una burbuja de riqueza, es Donald Trump o Mario Conde, héroes de una época de espejismos que luego cayeron como estatuas de cristal.
La serie mítica por excelencia de la época es Corrupción en Miami. Toda la estética (y buena parte de la música popular) de la década puede encontrarse ahí, en esa serie donde los detectives conducen Ferraris y se visten de Armani en un mundo de apariencias brillantes y entrañas podridas. Una serie muy manierista, pero de evidente calidad, donde destaca por encima de todos el teniente Castillo, interpretado por Edward James Olmos.
Todo era sencillo: los viejos fantasmas podían exorcizarse con nuevos héroes. Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenneger representaron el ideal americano (que entonces era occidental) de solucionar las cosas por la vía rápida. Rambo podía meterse en Vietnam y Afganistán, acabando con los problemas de un plumazo. Comando podía rescatar a su hija a golpe de metrallazos donde todo el mundo salía malparado excepto él.
Pero las cosas nunca son tan sencillas. A finales de los años 80, la burbuja estalló y un sentimiento de apocalipsis se adueñó del inconsciente colectivo a medida que el sueño de Reagan se iba revelando más efímero que real. La película que mejor representa ese desengaño es, quizás, el Batman de Tim Burton, producida un año después de que Reagan abandonara la Casa Blanca. Fue un desencanto que tuvo reflejo en muchos otros medios artísticos y que traspasó las fronteras de América.

Aviso para navegantes

2004-06-19T14:32:00.000+02:00

Hoy voy a dar dos consejos de aficionado al cine a aficionados en general. Están basados en mi intuición y en mi experiencia, y los voy a argumentar en la medida de lo posible. Puede que parezcan chocantes, y al fin y al cabo es sólo mi opinión. Yo, al menos, los voy a seguir al pie de la letra. Estos son:

1) Evitad comprar el DVD de Kill Bill Vol. 1 que sale este mes. Es una edición pelada, hecha para promocionar el Vol. 2. Hay en previsión un pack con las dos, ediciones especiales de cada una, y un estreno probable de la película entera, que tendrá más que segura edición en formato doméstico. Miramax va a exprimir la gallina de los huevos de oro, como puede leerse en la frase final de esta entrevista, donde Tarantino deja las cosas claras.

2) Evitad The Terminal, de Steven Spielberg. Aunque no hay que ser tan exagerados como este crítico que dice que es su peor película (se nota que no ha visto Always), todos los indicios me dicen que es un capítulo muy menor en su filmografía, y os lo dice uno de sus grandes seguidores. ¿Tom Hanks y Catherine Zeta-Jones de azafata en una comedia basada libremente en un hecho real que podría dar mucho más de sí y que fue más bien un terrible drama? Yo me espero a la siguiente.

Diario de ruta

2004-06-18T00:50:00.000+02:00

Mientras preparo algunos megaposts sobre temas clasificados top secret, dejo otro pequeño boletín de noticias recogidas aquí y allá por el ciberespacio:

-¡Bollywood ataca! Tal y como más de uno habéis mencionado en los comments, el cine hindú está en alza. Dilwale Dulhania Le Jayenge se ha estrenado en Estados Unidos y en Salon se hacen eco de ello con una crítica entusiasta. Conviene recordar que el cine hindú ya dio hace años hombres de un talento tan descomunal como Satyajit Ray con su Trilogía de Apu.

-A pesar de mis predicciones, Troya ha sido un éxito formidable (y merecido), y ya es la segunda película con más recaudación mundial en lo que va de año después de la sorpresa de La Pasión de Cristo. Por detrás vienen pisando fuerte Shrek 2 (que no ha hecho más que empezar), El día de mañana, y la última de Harry Potter, que mañana se estrena por aquí. Después de todo, el cine es una mezcla de arte y negocio.

-Hablando de taquillazos, las películas que más interés inmediato despiertan en la Linterna tienen estas fechas de estreno en España. Spiderman 2 (de la cual sólo se leen elogios), el 14 de Julio. Kill Bill Vol. 2 cae el 23 de Julio. Y la adaptación de Yo Robot que dirige Alex Proyas se adelanta al 30 del mismo mes. Se acerca un verano más que caliente.

Historias de familia

2004-06-16T01:25:00.000+02:00

La verdad es que tenía pensado continuar la serie de secuencias con una de El Padrino, pero le di varias vueltas al asunto y no me decidía por una en particular: hay tantas escenas memorables en las películas de la familia Corleone que es imposible escoger sólo una. Que es una de las mejores muestras del cine de todos los tiempos no sólo lo dice la crítica, sino que lo dice el público. Quién iba a decirle a Francis Ford Coppola que la joya de su filmografía iba a ser un encargo, en lugar de las películas que él considera más personales. Pero, si fue un encargo, el cuidado con que lo llevó a cabo hace suponer que se lo tomó como mucho más que eso. Porque Coppola convirtió la discreta novela de Mario Puzo sobre la mafia en una obra de arte, con la ayuda de un inmenso Marlon Brando como Vito Corleone, que con este papel revitalizó su carrera.
El Padrino es una película curiosa. Tiene un ritmo único, muy pausado, que se toma su tiempo en contar lo que cuenta, con grandes y amplias secuencias fotografiadas esplendorosamente por Gordon Willis: algunas impresionantes, como la muerte del caballo, la muerte de don Vito, o, especialmente, la entrevista de Michael con Sollozzo, que se convierte en su bautismo de fuego. Es como una ópera (la música de Nino Rota tiene un papel primordial), que sigue una estructura circular: empieza con una celebración, prosigue con una introducción, un desarrollo tortuoso y complejo, y acaba con otra celebración mezclada con un desenlace múltiple donde se deshacen los nudos de un solo tajo. Es una estructura llena de símbolos que se repite, de manera ritual, en las dos secuelas.
No hay duda de que el Padrino II es la más compleja y brillante pieza de la trilogía. El consenso sobre ese tema es imposible de romper. Yo tengo más simpatía por la primera, porque de algún modo es más alegre, pero la segunda es monumental. También es monumentalmente trágica. Al Pacino toma el relevo de Brando, pero, ampliando el poder de la familia, la destruye sin quererlo. Coppola subraya el contraste con su padre mezclando las andanzas de Michael Corleone con la juventud de Vito. Michael es mucho más inhumano y frío. Hay una secuencia que lo explica perfectamente: la visita de Tom Hagen (qué grande Robert Duvall), a Frankie Pentangeli en la prisión. Frankie explica con nostalgia "yo estudié mucho la historia. Los tiempos de Roma... la familia Corleone, como el Imperio Romano". Si Vito es un emperador benigno, Michael es un tirano con mano de hierro, eficiente pero cruel. La analogía de la familia Corleone con las grandes familias imperiales es algo visible, que va mucho más allá de lo que pretendía Mario Puzo. En el Padrino II hay dos secuencias (entre tantas), especialmente memorables. Una es el asesinato de Don Fanucci a manos de Vito (grandioso Robert de Niro), y la otra es el falso perdón de Michael a su hermano Fredo.
Con el plano terrible de Fredo pescando, a las puertas de la muerte, bajo un cielo encapotado, se abre el Padrino III. Muy vilipendiada en general, es una pieza ligeramente distinta a las otras dos, ya que fue rodada mucho más tarde, con lo que no hay un sentido total de unidad. Sin embargo, es una muy digna conclusión de la saga. A pesar de algunos errores flagrantes de casting, el argumento es ambicioso como pocos. Michael busca la redención de sus pecados mientras trata de extender su poder a través de la Iglesia Católica. En cierto modo, consigue esa redención, pero el precio que paga es demasiado alto, como muestra el desolador plano final. Es una película muy triste. Pero las críticas que recibió son desmesuradas e injustas, a la luz de secuencias como el asesinato de los jefes mafiosos mediante un helicóptero, la muerte de Joey Zasa, o el final, donde la ambición y tragedia de la familia Corleone alcanza tintes cósmicos, y que está muy acertadamente subrayada con una secuencia de ópera.

Un brindis

2004-06-15T17:03:00.000+02:00

Hoy la Linterna ha llegado a las 10.000 visitas. Lo primero que quería decir es que es un número engañoso, porque al menos 3000 de ellas son mías. Corrijo mucho y cuando estoy de obras, como soy más bien torpe, tengo que revisar el resultado montones de veces. Pero la ocasión es digna de celebración, no para mí, sino por y para los que lo habéis hecho posible. Los que visitáis, y muy especialmente los que dejáis esos comentarios que han hecho de la Linterna Mágica un sitio de animado debate sobre temas de cine y de todo tipo, teniendo auténticas conversaciones online hablando de lo divino y lo humano. He conocido a gente estupenda con la que me encanta estar de acuerdo y con la que me encanta aún más estar en desacuerdo, que es lo sano, lo divertido y lo razonable. Gracias a todos los que habéis contribuido a hacer de este modesto weblog una página cálida donde uno se siente a gusto. Yo no podía pedir más. ¡A vuestra salud!

Entre líneas

2004-06-14T18:51:00.000+02:00

Ayer por la noche, leí una entrevista al productor de El día de mañana, Mark Gordon, y había un párrafo absolutamente revelador que transcribo literalmente para que cada cual saque sus propias conclusiones:

-¿Por qué el cine de gran presupuesto es ante todo un fenómeno que se da en Estados Unidos de forma industrial, casi en cadena, mientras que en Europa sólo se hace una película así muy de vez en cuando?
-Supongo que porque Estados Unidos es más grande que toda la Comunidad Económica Europea junta y porque además es un país. Por si fuera poco, en Estados Unidos, para bien o para mal, hablamos todos la misma lengua y, aunque cada cual tiene su forma de ver las cosas, pensamos de manera muy similar. El problema de los europeos es que lo que funciona en Dinamarca es una catástrofe en Francia y viceversa. Y para empeorar más las cosas, los norteamericanos no siempre comprendemos qué demonios queréis decirnos los europeos con todas esas películas donde la gente sufre o está en silencio en un plano que dura veinte minutos. Sois demasiado complicados para nosotros, por eso vuestras películas no suelen ser grandes éxitos en los cines de Estados Unidos.

La senda perdida

2004-06-14T01:39:00.000+02:00

Pero ¿qué es lo que pasa con Robert de Niro? Su filmografía en los años 70 y los 80 fue intachable, hasta el punto en que lo elevó a la categoría de leyenda. Este tipo es uno de los mejores actores que se han visto, un talento como hay tan pocos. Sólo por lo que consigue en Toro Salvaje ya merecería ser estudiado en cualquier escuela de interpretación. La verdad es que el director que supo sacarle lo mejor es su amigo Scorsese, que le dio el que quizás sea su último gran papel en Casino. A mediados de los 90 la carrera de Robert de Niro empezó a torcerse definitivamente. Ya había hecho cosas en el pasado que no hay por donde cogerlas, pero eso le pasa a cualquier actor. Cosas como Nunca fuimos ángeles, por ejemplo. Luego tenemos películas que son malas a pesar de él, como Sleepers, Enamorarse, o La cortina de Humo. Pero, después de la muy interesante Ronin, donde se come sin problemas al resto del reparto, cometió un error munumental. El éxito de Una terapia peligrosa le hizo creer que tenía talento para la comedia, y lamentablemente no es así. Es triste ver al hombre que hizo de Travis Bickle parodiarse a sí mismo de un modo tan grosero en películas como la mencionada, o Los padres de ella, guiones simplísimos donde está fuera de lugar. Pero es que en los papeles serios tampoco da una: títulos como 15 minutos o The Score, que son buddy movies de lo más ramplón. Y la cagada más increíble que uno pueda imaginarse es verlo en esa cosa llamada Rocky y Bullwinkle, basada en unos dibujos animados de los que no se acuerda nadie. Su último trabajo, El enviado, sigue confirmando mis peores sospechas: que Robert de Niro ha abandonado la senda del buen cine, y ha equivocado el rumbo para no volver a enderezarlo.

Despropósitos

2004-06-12T17:17:00.000+02:00

Observen el resumen del argumento de Superman III que cuelgan en la programación de Telemadrid. Es algo alucinante. Charlie me ha avisado de ello y no he podido resistirme a colgarlo en su integridad. Pasen y lean:
"Clark Kent acude a un antiguo colegio de su infancia, en donde estarán reunidos muchos de sus amigos, entre ellos un antiguo amor llamado Lana Lang, quien tiene un niño de corta edad. En el encuentro los recuerdos afloran en sus mentes y creen revivir el amor de su juventud. En esos mismos días, un trabajador negro que no tiene suerte en ningún empleo, descubre sus habilidades para la informática y con la ayuda de un malvado llamado Ross, deciden matar a Superman. Para ello emplean toda clase de recursos, como ponerle krytonita cerca, controlarle la mente y convertirle en un villano que todo el mundo repudia. También logran realizarle un desdoblamiento de personalidad y que otro Superman perverso le mate, y hasta provocan explosiones en una central nuclear para que le destroce. Por si fuera poco, los problemas de Superman aumentan a causa de un superpetrolero que vierte el crudo al mar, y con una Loise Lane empeñada en demostrar que Clark Kent es Superman. Para salir de dudas, se tira a las cataratas del Niágara en su presencia, aunque el resultado es un inmenso chapuzón y un Clark Kent poniendo cara de estúpido. Como colofón, tenemos a un enorme ordenador que controla la energía eléctrica de Metrópolis y que es capaz de inmovilizar a Superman y hasta disgregarle molecularmente."
Aparte de que parece escrito por un niño de ocho años, lo del Niágara es de Superman II. Es lo que pasa cuando no se ven las películas que se reseñan, y doy fe de que esto ocurre en más sitios de los que podrían imaginarse (prensa y revistas). Superman III no es precisamente la más afortunada de la saga, ni de Richard Lester (un director al que le dieron una interesante entrevista en Cinema 3, y que dijo muchas cosas jugosas, salían imágenes de Golfus de Roma y Robin y Marian, sus mejores películas). En cualquier caso, en comparación con este texto, la tercera entrega del hombre de acero es una obra maestra.

Ensayo y error

2004-06-11T23:15:00.000+02:00

Pequeño fracaso en mis obras. La verdad es que me siento más cómodo con Haloscan, que es el sistema que usan la mayoría de blogs nuevos. Tengo ganas de ver cómo evolucionan esos blogs a medida que crezcan: lo iré contemplando. Enetation da demasiados problemas, pero es seguro que más adelante cambiaré, o bien al sistema Blogger (que no me gusta mucho), o a otro que descubra. En Verano, mientras el mundo descansa, yo me dedicaré a más obras para hacer de este blog lo más ajustado a mis deseos posible. En Otoño se verá el resultado de todo ello. Luego dicen que esto es fácil.

Sólo para sus ojos

2004-06-10T01:50:00.000+02:00

Los títulos de crédito, como los trailers, también juegan un papel importante a la hora de ponernos en situación para ver una película. Si son imaginativos, los diseños de los títulos iniciales nos darán pistas sobre qué tipo de historia vamos a ver. El diseño de títulos de crédito empezó a descollar en los años 50. Frank Tashlin, antes de dirigir a Jerry Lewis, aplicó su experiencia en la animación para hacer cartoons con imágen real, llenos de color y dinamismo. Douglas Sirk, en Escrito sobre el viento, hizo una cosa muy atrevida: los nombres de los actores están presentados con escenas clave de sus personajes en la película, anticipando todo lo que pasará.
El más grande de los diseñadores de títulos de crédito es Saul Bass, que ha recibido la curiosa acusación de ser algo frío. Eso puede aplicarse a su colaboración con Otto Preminger, pero si uno repasa su contribución, verá que nada ha sido inventado en este campo que él no intuyera. Steven Frankfurt, en Matar a un Ruiseñor, sigue los pasos de Bass en El rapto de Bunny Lake. Friz Freleng, en La Pantera Rosa, fue el primero de los muchos que usaron dibujos animados para los créditos en los 60, algo que Bass ya había probado en La vuelta al mundo en 80 días.
Maurice Binder es otro gran creador: sus títulos para las diversas películas de James Bond son recordados por todos. Jean-Luc Godard, a tono con su anárquica filmografía, usó títulos psicodélicos en algunas de sus muchos títulos. Richard Williams, animador excepcional, puso un broche de oro en los créditos finales de Golfus de Roma. Y no podemos olvidarnos de los divertidos esfuerzos de Terry Gilliam para las películas de sus colegas, los Monty Python.
Cuando llegó el cine-espectáculo, los títulos de crédito empezaron a ponerse a tono. Richard y Robert Greenberg, en Supermán, mezclaron técnicas de ordenador con un sonido apabullante. Uno de los genios modernos del tema, Dan Perri, es el responsable de los famosos "crawls" de Star Wars, pero su filmografía es tan variada como extensa.
Y luego tenemos a Kyle Cooper y David Fincher: hay un antes y un después de Seven, cuyos títulos, complejos, densos, influidos por los mejores diseños del momento, marcan el tono de la película. De hecho, David Fincher siempre usa títulos muy imaginativos para sus películas: tanto El club de la Lucha (con esa cámara ficticia que va del cerebro a la boca de una pistola), como La Habitación del Pánico (los nombres del personal como rótulos gigantes en Manhattan), son dos muestras de ello.
Sin embargo, nada de todo esto puede rivalizar con la magia de Orson Welles: la secuencia de títulos de crédito que él mismo se dirigió en Sed de Mal es, de largo, la mejor aportación al género en toda su historia. Tengo entendido que su intención era que los nombres no salieran, sino que fuera simplemente la secuencia inicial. Sea como sea, la perfección formal y densidad temática de ese travelling quitan el hipo por más veces que se contemple.

Noticias animadas

2004-06-09T13:35:00.000+02:00

-Hoy el pato Donald cumple 70 años. Dentro del espectro de personajes fijos de la Disney, es el más simpático por su mala leche, su torpeza y su curiosa voz. Memorable su aparición en mediometrajes como El príncipe y el mendigo, y en el sketch dedicado a Elgar y el Arca de Noé de la apreciable Fantasía 2000.

-Amid Amidi empieza su crónica de Annecy en Cartoon Brew, comentando el aburrimiento que le produce el cine de Satoshi Kon (el director de la alucinante Perfect Blue) en general. Aunque es un tipo con una marcada tendencia elitista, sus opiniones están basadas en una buena formación de base, y están llenas de causticidad.

-La última película de Katsuhiro Otomo, Steamboy, ha confirmado su estreno en Octubre en los países civilizados de Occidente (Francia, Inglaterra, Italia, USA). Sobre su distribución en España, recomiendo ir al centro de esoterismo más cercano.

Show business

2004-06-08T20:47:00.000+02:00

El mundo del espectáculo siempre ha sido una máquina para ganar dinero. Pero hay decisiones que no tienen sentido: un ejemplo sería cualquier decisión tomada por Michael Eisner. Otro, más reciente, es el hecho de que hayan echado de la serie Urgencias a la británica Alex Kingston (la Dra. Corday), por el simple hecho de tener 41 años. ¿Es que no hay sitio para una doctora madura y experimentada en el Hospital County? Si ya hace tiempo que me había desinteresado de la serie, esto lo remata: todos los personajes carismáticos se han ido, y el último lo interpretaba esta adorable actriz y mujer, que tiene una belleza y un saber estar impresionantes. Ella se ha ido sin demasiado rencor, por lo que ha declarado: después de todo, Urgencias la ha hecho famosa, con todo el merecimiento.

Woody y yo

2004-06-08T02:37:00.000+02:00

Mis relaciones con el cine de Woody Allen han ido variando con los años. En mi infancia me gustaban sus películas aparentemente más sencillas, las de humor puro y duro. En mi adolescencia me hice moderno y me gustaron las serias, que son la inmensa mayoría, a pesar de que toques de humor no faltan en casi toda su obra. Entonces devoraba cualquier cosa que hiciera el tipo, y las aplaudía como el que más. Pero poco a poco, le perdí el respeto, y más adelante me resultó insoportable. Ahora mismo, ya con una cierta perspectiva, aprecio sus virtudes y defectos, que de todo hay en su manera de entender el cine.
Yo ya he dicho varias veces que soy un espectador visual, es decir, quiero que sean las imágenes las que me cuenten una historia, no quiero una historia que se apoye en las imágenes. Me gustan los directores que usan storyboard, que planifican, que diseñan los planos para que sean cuadros en movimiento. Woody Allen es un guionista extraordinario, y un gran director de actores. Pero es un director visualmente torpe: en Maridos y Mujeres, el vaivén constante de la cámara me resulta desconcertante. En Deconstruyendo a Harry, los cortes de tempo me irritan. Me parecen recursos vanidosos, y la vanidad en el arte me acaba agobiando, quizás es que me hago mayor y disfruto más con una película contada con oficio, un western de Henry Hathaway por ejemplo, que con las obsesiones y guiños intelectuales del director judío.
Después de Celebrity, reconozco que he abandonado a Woody. Que la última película la haya hecho con Jason Biggs y Cristina Ricci me muestra que tal vez no esté equivocado: creo que los 90 no le sientan bien al viejo Allen. Haciendo un sereno balance de lo que he visto de él, tengo un afecto especial por Bananas (me hace reír mucho), Manhattan (la verdad es que es una gran película), Hannah y sus Hermanas (grandioso Michael Caine, entre otros muchos), Delitos y faltas (su gran obra maestra), y Misterioso Asesinato en Manhattan (me resultó divertida y agradable). Hay muchas otras, pero esta es una buena muestra de su obra: inocencia, amargura e indulgencia con la vida. Las mismas relaciones ambivalentes que yo he tenido con este gran director.

Infrazona 2

2004-06-07T02:36:00.000+02:00

Hay cosas que son verdaderamente difíciles de entender. Una vez metidos de lleno en la era del DVD, ¿por qué dividir su distribución mundial en zonas geográficas incompatibles entre sí? Ya sé que se pueden hacer parches para solventarlo, pero no deja de ser una tontería en su concepción, que recuerda la famosa incompatibilidad de formatos de los ordenadores y otras zarandajas similares. Pero no quiero hablar exactamente de eso, sino de otra cosa derivada.
Y es que... mirad, ser aficionado al cine en España es sufrir, eso está claro. A poco que uno se dé unas vueltas por Internet, se dará cuenta de que las distribuidoras nos toman por tontos, por un país de tercera o de cuarta categoría. Ejemplos los hay incontables: uno de los más increíbles es este catálogo de errores de encuadre en los DVDs de Regreso al Futuro, por parte de Universal, la misma que cobra unos 90 euros por un pack de La lista de Schindler que en Estados Unidos cuesta más de la mitad. La Warner saca cajas como la de Looney Tunes con años de diferencia, las ediciones en general son mucho más cutres o con cajas penosas de cartón. La Fox saca ediciones de películas maravillosas sin subtítulos en castellano. Divisa saca una versión de coleccionista de Dersu Uzala que se ve peor que una cinta de bautizo desmagnetizada. Y hay bastantes títulos (Erase una vez en América, Tiburón, Supermán), cuyas ediciones especiales vienen con un nuevo doblaje, horrible comparado con el anterior.
Y no hablemos del catálogo. En eso, como en tantas cosas, se nota la diferencia entre nuestro mercado y el estadounidense, cien veces más potente. Mirad lo que algunos pueden comprarse allí, y comparad. O echadle un vistazo a la cantidad y calidad de las cosas que van a salir en la zona 1. Es para ponerse a llorar. Allí sacan ediciones de tres discos de Mystic River y Brazil, a casi los mismos precios que las nuestras, de un disco.
Y luego está la zona 3, la del sureste asiático. En consonancia con la vitalidad de su cine, sacan unas ediciones allí que es para morirse, de cosas que aquí ni vemos ni veremos. Podéis comprobarlo en foros especializados donde habla gente que entiende de lo penoso que está el tema. De hecho, fue en este foro donde leí por primera vez la graciosa expresión que resume el estado de la cuestión, y con la que he querido dar título a este post de lamento y pataleo.

Secuencias: 2001

2004-06-05T05:57:00.000+02:00

Dave Bowman está solo en el espacio. Su compañero Poole está perdido más allá de cualquier esperanza. Con una ingeniosa maniobra, forzando la portezuela de entrada con el robot, consigue entrar en el Discovery. Una vez lo consigue, toma la única decisión posible, y entra en el cerebro electrónico del desquiciado HAL 9000. Sólo oímos como fondo sonoro la respiración de Bowman. El interior del recinto es rojo, y está lleno de células de memoria parecidas a cintas. Bowman las va desmontando una por una. HAL, con una voz terriblemente triste, trata de disuadirle. "No lo hagas Dave", "¿Querrás parar, Dave?". Bowman sigue inflexible con su faena, sacando con una lentitud exasperante más células de memoria. Poco a poco, HAL va hablando más lentamente, como alguien que se está durmiendo, e implora "Por favor, Dave, no lo hagas. Estás destruyendo mi mente..." A medida que va muriendo, HAL rememora sus primeros recuerdos: "Soy HAL 9000, mi programador fue...", y Bowman accede al núcleo central del sistema, una sencilla canción llamada Daisy. HAL le pregunta a Bowman "Conozco una bonita canción. ¿Quieres que te la cante?" Bowman, en un gesto de deferencia, una última voluntad para el ejecutado, accede. HAL entona la canción con voz apagada "Daysiii... Daysiiiii..." Finalmente, el ordenador se calla para siempre, y aparece una grabación en la que se explican vagamente las causas de la disfunción de HAL.

Aprendiz de brujo

2004-06-04T02:53:00.000+02:00

Yo es que tengo una duda existencial. Sí, como lo oyen. Ya se sabe que el tiempo es limitado y hay mucho que hacer. Y yo me pregunto una cosa ¿me estoy perdiendo algo al no haber leído en mi vida ningún libro de Harry Potter? Que me consta que cada vez son más gordos, con el último que han sacado, a Raskolnikov no le hubiera hecho falta un hacha para matar a la vieja. De hecho, me imagino a Raskolnikov y la vieja pensionista teniendo un diálogo como éste (perdóname Dostoyevski):
-Vieja, que somos más pobres cada día. Ya nadie lee nuestra historia. Ahora leen esto.
-Querido Raskolnikov, ¡si es más gordo aún que nuestra novela! Pégame un trancazo en la cabeza con el tocho y acabemos de una vez.
Sí, sería una bonita metáfora. La literatura de moda asesina a la literatura clásica. De hecho, la gente que me recomienda que lea Harry Potter es de esa que me pone los pelos de punta. Los que me han dicho lo que yo sospecho (que es una basura infecta), son de mi club en general. Yo es que perdonen, pero no he leído aún todo Faulkner, y no voy a molestarme, a no ser... que alguien me convenza.
Porque si alguien en quien confío me dice que vale la pena sumergirse en ese marasmo de libros (que me da que son una mezcla indigesta de George Lucas y Tolkien), pues igual me lo pienso. De todos modos (por si alguien creía que esto no tenía nada que ver con el cine), tampoco he visto (ni pienso ver) ninguna película del niño gafotas.
Sencillamente, porque los directores (Chris Columbus, creador del clásico Sólo en casa), Alfonso Cuarón (ese pedazo de director que destrozó Grandes esperanzas), y Mike Newell (que dirigirá la próxima, y que tiene el raro mérito de haber conseguido convertir un guión tan magnífico como el de Donnie Brasco en una película aburrida a morirse)... pues eso, que esos grandes genios no me inspiran confianza. Y yo, como los franceses, creo mucho en la politique des auteurs.
En fin... como suplemento de fin de semana, anunciar mi sorpresa al saber que el lunes Antena3 emite la versión extendida de la Comunidad del Anillo en lugar de la normal, que parece como si ya no existiese (y yo insisto que son mejores las de cine, pero bueno). Entre las cuatro horas de película y las dos de anuncios (incluyendo esa criatura con una neurona que anuncia cartelera, para cagarse por las patas pabajo), no puede uno ni quedarse si trabaja, ni grabarla con el video. Chapeau!

El rey de la selva

2004-06-02T20:05:00.000+02:00

Hace cien años nació Johnny Weissmuller, el mejor Tarzán que ha podido verse en celuloide. Ese Tarzán que tantas sobremesas de Sábado nos alegró cuando éramos niños. El nadador que ganó medallas en las Olimpíadas y acabó sus días gritando como su personaje. Casi todas las películas de Tarzán que hizo Weissmuller son recomendables aún hoy, gracias al oficio de directores como Richard Thorpe. En ellas veíamos tribus negras muy malas, exploradores blancos muy malos también, peleas con cocodrilos, murciélagos y arañas gigantes, y tres personajes entrañables: Jane, su mujer (encantadora Maureen O´Sullivan), Boy, su hijo adoptado, y la célebre mona Chita. De todas esas perlas, la mejor quizás sea Tarzán en Nueva York, porque es fascinante ver al Rey de los Monos fuera de su ambiente, en la gran ciudad. Dos momentos para el recuerdo: cuando llama a un taxi "casa con ruedas", y cuando, perseguido por la policía, salta desde el puente de Brooklyn al Hudson, en perfecto estilo acrobático, para pasmo de sus perseguidores.

La lista negra

2004-06-02T03:06:00.000+02:00

Si ya es un poco pretencioso hacer una lista de las mejores películas, hacer una lista de las peores ya es una tontería de tomo y lomo: hay muchísimas más películas malas que buenas. Pero navegando distraídamente por estos lares del Internet, he descubierto que la revista Maxim (que no le llega a FHM ni a la punta de los juanetes), en su edición anglófona, cometió la osadía de hacer una lista de las 50 peores de todos los tiempos, así como suena. Se nota que estos tipos no conocen las filmografías de Pedro Masó, Irwin Allen o la de un tal Lars.
Observemos la lista: que Erin Brokovich es un tostón de tomo y lomo no tienen que repetirlo, que Campo de Batalla: la Tierra es una mamarrachada increíble lo sabemos todos, y que las Spice Girls hicieran una película es un crímen que clama al cielo (no así matar a Adam Sandler, eso obtendría dispensa papal), pero, ¿es que no hay acaso cientos o miles de películas mucho peores que las entretenidas Panorama para Matar, Armageddon, Batalla por el Planeta de los Simios, Zardoz, o Cobra? Madre mía, con esos títulos me pasaba yo tardes de sábado de lo más felices.
Pero donde ya la cagan gorda es poniendo títulos como Hook (que no es peor que la de Disney ni la de P.J. Hogan), Dune (¿es en serio? ¿la adaptación de David Lynch?), Mensajero del futuro (hay planos ahí que valen por otras enteras), o el Padrino III (quizá no la mejor de la trilogía, pero como mínimo una digna conclusión). Ni siquiera las justas inclusiones del remake de Psicosis, de Moulin Rouge, o de la Delgada Línea Roja (qué sueño coge uno viéndola), me quitan la impresión de que el peor de los films mencionados está hecho con más conciencia que esta lista absurda y disparatada. Y lo peor es que existen listas aún peores, que ya me abstengo de comentar.

La caza de un hombre

2004-06-01T04:12:00.000+02:00

Memories of murder es una rareza en el género policiaco, en la vertiente de la caza de asesinos en serie. Su director, Bong Joon-Ho, se aleja prudentemente de las convenciones del género que el cine americano ha implantado. Desde el mismo comienzo, esta producción surcoreana muestra su profunda originalidad. Basada en una historia real, la película cuenta cómo dos policías profundamente opuestos se enfrentan a una inquietante serie de asesinatos de muchachas que comenzó en 1986 en un pueblucho de Corea del Sur. El detective del pueblo es bonachón, impulsivo, algo torpe, muy observador. El detective que viene de Seúl es frío, inflexible, muy inteligente y algo independiente. Sin embargo, esta no es una buddy movie al uso. Empieza como una comedia, y uno no puede reprimir las carcajadas ante los tropiezos iniciales de Park Doo-man y sus ineptos compañeros del pueblo, e incluso con las peleas que tendrá con su colega a la fuerza, Seo Tae-Yoon. Esos toques de comedia casi grotesca son profundamente realistas, al igual que el giro imperceptible hacia el drama y la oscuridad que va tomando progresivamente la película, con mano maestra. Esta no es una historia de policías perfectos ni de psicópatas atractivos, sino un retrato realista de la caza de un criminal en un país que está pasando por profundas reformas políticas, un trasfondo con cierta importancia, pues es evidente la carestía de medios, tanto personales como materiales, derivada de la lucha de un país por su democratización.
Hay secuencias y detalles que se quedan en la retina del espectador, narradas con una fuerza y originalidad impresionantes: la primera persecución en la noche cerca de la fábrica, la constante presencia de la lluvia (el asesino sólo actúa en noches lluviosas cuando suena una determinada canción en la radio), la discusión entre los policías y los clientes de un bar que acaba en furiosa y trágica pelea, la autopsia a una de las víctimas (digna de David Lynch) en la que ambos detectives quedan alucinados, la angustiosa espera de los resultados de una prueba de ADN, el asesinato en la noche de dos de las mujeres, la naturaleza anodina y esquiva del asesino.
En el transcurso del viaje, ambos detectives sufren una importante evolución, que los humaniza. Los dos acaban siendo más comprensivos, y en ese sentido es absolutamente fascinante esa escena final bajo un cielo torrencial de la que no puedo revelar más detalles, enfrente de un túnel de tren. Hay un plano, tomado desde dentro del túnel, en que ambos detectives se ven como siluetas negras frente a un fondo luminoso y húmedo. Un plano único que hermana visualmente a los dos protagonistas de esta película, que demuestra, una vez más, que el auge del cine del Pacífico no es un mito de festival: es una realidad imponente. Memories of murder pone en evidencia, con un estilo visual naturalista y elegante, los manidos tópicos de buena parte del cine policial americano.

Un film monstruoso

2004-05-30T19:00:00.000+02:00

Mientras íbamos al videoclub hace una semana, mi sobrino me fue comentando el argumento de Van Helsing, que no le había gustado nada, y yo pensé que su imaginación juvenil se inventaba algunas cosas, porque la inverosimilitud de lo que me contaba iba más allá de lo que parecía posible. Más adelante, leí en alguna parte una completa reseña de la película que explicaba exactamente lo mismo. La próxima vez confiaré más en la memoria de mi sobrino que en mi ingenuidad. Atención al argumento:
"El conde Drácula, transilvano de afilados y peligrosos colmillos, obligará al Doctor Frankenstein a crear una criatura, a la sazón el monstruo de Frankenstein, para revivir a los miles de embriones que, al estilo Alien, duermen en sus viscosos sacos, habidos de su unión con unas vampiresas que se retuercen en permanente estado de orgasmo. El experimento falla al asaltar el furioso pueblo el castillo del doctor, matar Drácula al médico y escapar el monstruo con su difunto progenitor hasta un molino al que la enfurecida turba prende fuego, dispersándose con la llegada de Drácula y sus novias, que lloran histriónicamente, por supuesto en constante estado de excitación sexual, ante la muerte del monstruo. Entretanto, un rejuvenecido Van Helsing, con aspecto entre cowboy y motero, se enfrentará a un gigantesco Mr. Hyde en la catedral parisina de Notre Dâme. Tras matarlo, Van Helsing regresará al Vaticano (para quien trabaja en su oficio de cazador de monstruosidades varias), en donde se le encargará viajar hasta Transilvania, para hacer frente a Drácula. Un trabajo en el que contará con la ayuda de una princesa gitana cuya familia, obligada por una maldición, lleva siglos combatiendo al vampiro, uniéndoseles finalmente en la contienda el pobre monstruo de Frankenstein, convenientemente indemne del incendio del molino."
Y hasta aquí puedo leer. Alucinatorio. ¿Es éste el homenaje que Stephen Sommers pretende hacer a los entrañables monstruos, nacidos de las plumas de Bram Stoker, Mary Shelley y otros, que tan bien retratados salieron en las producciones de la Universal en los años 30 y en las de la Hammer en los 60? Si estuviéramos hablando de una película de serie Z, con un presupuesto irrisorio y medios cutres, y un público poco exigente y más bien escaso, la propuesta podría ser hasta simpática. Pero estamos hablando de una producción que ha costado más de cien millones de dólares y que sólo en su país de origen ya ha recaudado esa cifra. Sobran más comentarios.

Cartoons

2004-05-28T19:51:00.000+02:00

Dentro de muy poco, el 7 de Junio, empieza el festival de cine de animación más prestigioso del mundo en Annecy, en la vecina Francia. Y en la selección oficial de largometrajes hay sorpresas muy agradables para nuestra pujante industria de animación, pues una de las nominadas al Gran Premio es El Cid, la leyenda, que es de largo la mejor película española estrenada en los últimos años. El argumento es en todo similar al clásico de Anthony Mann, pero con unos dibujos espectaculares, fruto de parte de la gente que trabajó con Dreamworks en El Príncipe de Egipto. También hay una nominación para Pinocho 3000, que se estrena este mes, una coproducción canadiense-española que no tiene mala pinta, hecha enteramente por ordenador. Lo malo es ¡ay! que también está nominada la coreana Oseam, de la que no oigo sino maravillas, y mucho me temo que sea la ganadora. Además, Bill Plympton, el último animador tradicional, presenta también su último trabajo, Hair High, que también es un temible competidor. La selección oficial se completa con un título italiano que desconozco llamado Toto Sapore. De todos modos, hay posibilidades de que España se lleve el premio que antaño se llevaron El Viaje de Chihiro y El gigante de hierro.

El ojo del observador

2004-05-27T03:22:00.000+02:00

Hasta finales de los 80, la familia judía compuesta por Arnold Friedman, su mujer Elaine, y sus tres hijos, David, Seth y Jesse era feliz. El padre era un ingeniero químico que, además de ser profesor en Great Neck, daba clases particulares de piano e informática en su propio domicilio. Era una familia culta, y los hijos ya habían desarrollado sus propios talentos en la música, la informática y, en el caso de David, la animación popular. David se convirtió en uno de los payasos para fiestas más apreciados de Nueva York.
Un día cualquiera, por mera casualidad, la policía interceptó un envío postal dirigido al padre, Arnold Friedman, proviniente de Holanda, y que contenía pornografía infantil. Este hecho fue el detonante de la destrucción absoluta de una familia que hasta entonces había conseguido establecerse y situarse en una comunidad próspera de vecinos. Arnold y el hijo menor, Jesse, fueron juzgados y encarcelados por delitos de abuso sexual hacia los alumnos que tomaban las clases particulares con ellos.
Estos son los hechos que Andrew Jarecki presenta en Capturing the Friedmans, un sensacional documental que cumple a la perfección la regla de oro del género: una absoluta neutralidad a la hora de exponer los datos, los testimonios, y los documentos gráficos (la mayoría, grabaciones caseras en vídeo de la familia), dejando el juicio último a cada uno de los espectadores.
A medida que el documental progresa, y vemos los testimonios de los implicados, encontramos algunos detalles inquietantes, que llaman poderosamente la atención. Por increíble que parezca, no se encontró ninguna prueba física de los cargos imputados, y nadie vio nada. Todo el proceso se basó en testimonios orales contradictorios por parte de las supuestas víctimas. Para complicar el caso, se descubre que Arnold tenía inclinaciones a la pederastia desde su juventud.
Es especialmente doloroso ver cómo la felicidad de la familia se hace pedazos a partir de la persecución de los Friedman, tanto por cuerpos policiales no especialmente sutiles ni inteligentes, como por los medios de comunicación, como por una cerrada comunidad de vecinos donde los rumores se convierten en hechos. La infancia de Arnold y la de su mujer habían sido complicadas, y la batalla puso esas fragilidades en evidencia y dividió el núcleo familiar, enfrentando a Elaine con su marido, y con sus hijos, que tomaron partido por su padre.
La película combina, con una habilidad sobrecogedora, las grabaciones caseras que muestran ese proceso de descomposición familiar, con los testimonios y entrevistas a todas las partes: los miembros de la familia, los acusadores, los vecinos y sus hijos, e incluso una periodista especializada en este tipo de casos. De todo ese material, salen revelaciones increíbles así como asombrosas contradicciones. Y Jarecki no toma partido por nadie: simplemente, monta las imágenes y las palabras de forma tan soberbia como expositiva.
"¿Qué es la verdad?", le preguntó Poncio Pilatos a Jesús en su interrogatorio. El silencio de éste se hizo célebre. Este documental es la mejor ilustración posible de esa misteriosa paradoja. Capturing the Friedmans es una película que está hecha para hacer pensar en todo lo que se esconde tras la engañosa superficie de las cosas.

Tengo un plan

2004-05-25T22:44:00.000+02:00

Seguro que recuerdan la famosa secuencia en que Lawrence de Arabia se pasa varios días y noches meditando en cómo organizar un ataque que sorprenda a los turcos y al final dice "¡Akaba!", con la idea genial de atravesar el durísimo desierto hasta la playa donde los cañones están de cara al mar.
Algo así me ha pasado, tras ver la temible cartelera de Junio, saber que estrenan Kill Bill 2 el 2 de Julio y ver Capturing the Friedmans hoy mismo, de la que muy pronto dejaré mi reseña. Me aclararé: después de ver semejante monumento, no puedo ni quiero conformarme con Harry Potters, con Días del Mañana, o con los estrenos esperpénticos de este mes de inicio veraniego. Junio es el desierto, y la película de Tarantino es Akaba.
Mi plan para atravesar el desierto es sencillo: ver películas ya estrenadas que tengo pendientes (las perlas ocultas del post reciente), acercarme a ver la reposición de El testamento del Dr. Mabuse y tirar del DVD.
Es la mejor manera de prepararme para el veranito, que también traerá a mi muy querido Peter Parker enfrentándose al Doctor Octopus. Si hay que ver cine palomitero, que sea del bueno. Mientras tanto, me voy a empachar de cine de qualité hasta que las náuseas me lleguen a la garganta.

Delicatessen

2004-05-24T02:08:00.000+02:00

Ahora mismo, recuerdo la memorable frase del detective Somerset a su compañero Mills, refiriéndose a John Doe poco antes del desenlace de Seven: "Si se le abre la cabeza, y sale un OVNI de ella, no te sorprendas ¿eh?"
Pues bien, cosas más imposibles suceden. La prueba de ello es que José Luis Garci programa esta noche nada menos que La muerte tenía un precio, de Sergio Leone. Ahora que el spaghetti western (o para los más fisnos, eurowestern), está de moda y más desde que Tarantino lo homenajea, es una inmejorable ocasión para ver una de sus muestras más redondas.
Impagable Clint Eastwood, impagable Lee Van Cleef, impresionante Gian Maria Volonté como el villano psicopático llamado "El Indio". Cine del bueno en el lugar menos sospechado para emitirlo. Ojos y cintas preparadas, que esta no es de las que repiten cada dos por tres. Y hablando de Clint, soy de la opinión de que no es fácil entender lo que quiso decirnos con Sin Perdón sin ver estas piezas de su filmografía. Buen provecho.

Una de cal...

2004-05-23T04:46:00.000+02:00

Empieza a sonar un título definitivo para el Episodio tercero de Star Wars, según algunas fuentes. Sería Birth of the Empire, y la verdad es que no suena nada mal. Lo que ya no suena tan bien son los rumores que apuntan a que Lucas, maestro de la manipulación, haya modificado algunos fotogramas para las ediciones especiales de la vieja trilogía que salen en DVD en Septiembre. Puede que sólo sean rumores, pero a las pruebas me remito. La verdad es que me entran escalofríos de terror sólo de pensarlo.

Palma de victoria

2004-05-23T04:33:00.000+02:00

¡Se acabó Cannes! Qué deprisa pasa lo bueno. La ganadora ha sido Fahrenheit 9/11 de Michael Moore, algo que ya presagiaron los 20 minutos de aplausos que recibió tras su exhibición allí. Teniendo en cuenta la enorme calidad de las películas a concurso, uno tiene el derecho a preguntarse cuánto de coyuntural o de francés hay en este galardón. No faltan voces que dicen que la que realmente merecía el premio es 2046 de Wong Kar Wai. Pero a falta de ver los filmes, me atengo a la máxima de Montaigne y suspendo mi juicio.

El palmarés completo, que también puede consultarse en detalle, es éste:

Palma de Oro a la mejor Película: Fahrenheit 9/11, de Michael Moore

Gran Premio del Festival: Old Boy, de Park Chan-Wook

Mejor Actriz: Maggie Cheung por Clean, de Oliver Assayas

Mejor Actor: Yuuya Yagira por Nobody Knows, de Hirokazu Kore-eda

Mejor Director: Tony Gatliff por Exils

Mejor Guión: Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri por Comme une image

Premio del Jurado: Irma P. Hall en Ladykillers y Tropical Malady

A destacar el imparable empuje del cine oriental en todos los frentes, el ya legendario chauvinismo del festival, y la falta de riesgo del palmarés (nada para Stephen Hopkins, Paolo Sorrentino, ni para el anime Innocence), pero ya se sabe que no hay premio que no tenga algo de arbitrario.

Perlas ocultas

2004-05-21T19:07:00.000+02:00

Este fin de semana, olvídense de The Ladykillers. Ni los Coen son como Alexander McKendrick, ni Tom Hanks (un actor al que respeto, pero no en este tipo de papel), un rasta y compañía pueden siquiera soñar parecerse a Alec Guiness, Herbert Lom, Peter Sellers y compañía. El quinteto de la muerte es una obra maestra y quien quiera reírse, que se haga con una copia en lugar de ver fotocopias.
Este fin de semana, los estrenos de verdadera calidad son otros, y hay nada menos que tres, que merecen toda la atención. La matanza de Texas 2004, de Marcus Nispel es menos un remake que una actualización, que a su paso por festivales fantásticos ha dejado un excelente sabor de boca.
Las dos joyas de la corona no tienen apenas publicidad y se estrenan en muy pocas salas. Memories of murder, de Bong Joon-Ho, es la crónica de la caza de un asesino en serie, que mezcla raramente el humor con el drama, y está basada en un caso real. Una excelente muestra del mejor cine de Corea, que ya impresionó en Sitges y en San Sebastián, donde se llevó numerosos premios.
Y Capturing the Friedmans es un escalofriante documental que narra con gélida objetividad como la vida de una familia americana típica se hundió a raíz de las acusaciones (nunca del todo demostradas) de abuso sexual que pesaron sobre el padre y el hijo menor. Estuvo nominado al Oscar en su categoría este año, y seguramente lo merecía. Aquí puede encontrarse más información sobre el dramático caso.

Guía de viaje

2004-05-20T05:38:00.000+02:00

Gracias a José, de la página amiga Esa la he visto, he podido disfrutar de la lectura de un libro esencial: El cine norteamericano en 130 películas, de Augusto M. Torres. Me gustaría destacar la originalidad del enfoque, pues en el libro no sale repetido ningún director, un filme para cada uno. Y como además el señor Torres hace una semblanza de todos, tenemos la perfecta introducción al cine norteamericano en todos sus géneros desde sus inicios hasta hoy. En la obra, el autor demuestra sus impresionantes conocimientos derivados de largos años dedicados al estudio del tema. Hay algunas entradas que me han llamado la atención. Ninguna elección es obvia, aunque algunas sean necesarias. Por ejemplo, de Fritz Lang y Raoul Walsh ha escogido dos películas que he descubierto muy recientemente y que merecen su inclusión: Los verdugos también mueren y Juntos hasta la muerte, respectivamente. Se echa de menos algún director, como el fenomenal William Wellman, responsable de Beau Geste entre muchas otras. Pero en el cine del pasado siempre hay una especie de consenso, ya dificil de discutir, establecido por el tiempo. Donde un crítico se la juega es cuando habla del cine reciente, sin más perspectiva que el juicio personal. Y el señor Torres hace muy buenas elecciones: American Beauty de Sam Mendes, Ed Wood, de Tim Burton, o Un día de furia de Joel Schumacher (recuerdo lo criticada que fue y lo buena que es). No duda en decir que la obra maestra de James Cameron es The Abyss, aunque incluye la del barco. Pero el bombazo llega cuando, sin dudarlo, Torres dice que el Padrino III es la mejor de la saga, y que se puede equiparar al rey Lear. Una opinión valiente (que yo sepa, nadie más lo ha dicho), más difícil de rebatir de lo que parece, con la que el autor da una demostración de autoridad y criterio personal. Excelente y muy recomendable lectura.

El mundo gira

2004-05-19T04:27:00.000+02:00

Después de algunos posts más bien largos, y como este medio está siempre en movimiento, conviene un poco de noticias que se van acumulando:

-El Festival de Cannes sube y sube como la montaña rusa: emoción con Kusturica, aplausos con Shrek 2, ovación para Kill Bill 2, y un clamoroso entusiasmo con Fahrenheit 9/11.

-Disney ha sacado una edición magnífica en DVD de algunos de sus clásicos más curiosos. La estrella es esta caja con todos los cortos de propaganda de la II Guerra Mundial, incluyendo el mítico largometraje Victory through Air Power. A ver si hay suerte y lo editan aquí algún día.

-Y una nota triste para acabar: ha muerto Tony Randall a los 84 años. Un extraordinario actor cómico que hizo mucho más que acompañar a Rock Hudson y Doris Day en la pantalla grande: su carrera en la televisión es un legado inmenso.

La ciudad asediada

2004-05-18T13:46:00.000+02:00

Troya es una película brillante y extraña. Probablemente sea el mejor de los trabajos del competente Wolfgang Petersen. Lo primero que querría señalar es que, como era de esperar, el guión de David Benioff (que escribió ese trallazo de La última noche) se aparta significativa, lamentablemente a veces, tanto del complejo mito original como de las fuentes homéricas. De todos modos, se le perdonó a Peter Jackson un número de infidelidades igual, si no mayor, respecto a Tolkien, en pro de su eficacia narrativa. La cuestión es si los valores cinematográficos disculpan esas alteraciones, lo cual se cumple en esta versión.
A mí me sorprendieron más otras cosas: Troya es una película totalmente desacralizada, como corresponde al mundo descreído en que vivimos hoy. Los dioses no tienen ningún papel en la historia, lo que la hace más desolada aún. Petersen convierte el mito en el drama de un número incontable de hombres que se exterminan salvajemente por nada. Es significativo y realista que, para Agamenón, el rapto de Helena sea sólo una excusa para controlar el Egeo. Además, Troya desvía el mito hacia sus intereses, convirtiéndolo en la tragedia de dos personajes a los que el destino está empeñado en enfrentar: Aquiles y Héctor.
Brad Pitt está eficaz en su papel de máquina de matar, pero Eric Bana está soberbio: refleja las dudas y el honor de su personaje con sus miradas y sus gestos. Aunque los secundarios eclipsan más de una vez a los protagonistas. Brendan Gleeson está estupendo como Menelao: en su lucha con Paris, se ven al mismo tiempo las diferencias entre los personajes y los actores que los representan, porque Orlando Bloom me hizo desear que Menelao le aplastara la cabeza. Brian Cox exagera la codicia y mezquindad de Agamenón, que para mí siempre fue un personaje de sombría grandeza. Sean Bean está que se sale en el papel de Odiseo, que le va como anillo al dedo.
Pero la mención especial, como ya había supuesto, es para el ínclito Peter O´Toole, en un papel tan significativo y crepuscular como el de Paul Newman en Camino a la Perdición. Su composición de Príamo es sobrecogedora, basten sus ojos desorbitados cuando ve asomar el inmenso ejército griego en la playa, o, sobretodo, la soberbia escena en que Príamo entra en la tienda de Aquiles a implorarle lo que es suyo: Peter O´Toole borra a Brad Pitt de la pantalla en ese dramático duelo interpretativo
Sin embargo, a Brad Pitt se le reservan algunos de los mejores momentos de la película: además de los magníficos, quizás insuficientes combates, destacan las escenas con Briseida, en que Aquiles muestra su lado más sombrío y al mismo tiempo humano. El héroe no cree en los dioses, pero sabe que es un juguete del destino, cuya única justificación es su obsesión por la pervivencia de su nombre. Es magnífica la secuencia en que Aquiles grita roncamente a Héctor para que salga, mientras éste hace los últimos preparativos, y el duelo posterior, un prodigio de coreografía. El sanguinario llora sobre el cuerpo de su enemigo más formidable: como luchador, Aquiles sólo respeta el valor, de ahí su desprecio por Agamenón. Y la despedida con su fiel mirmidón Eudoro es conmovedora.
Pero Eric Bana está francamente superior en todos los momentos en que aparece: Héctor es el justo opuesto de Aquiles, un hombre hastiado de luchar que se ve metido en una guerra que no quería y que tiene que afrontar tanto la superstición de su padre como la insensatez de su hermano, a los que opone su capacidad estratégica y su inteligencia práctica. La ciudad inexpugnable depende de su príncipe, y cada momento en que Héctor está con su familia tiene un notable tono elegíaco.
Sin embargo, Troya tiene un problema considerable: ninguno de sus personajes es lo suficientemente atractivo como para identificarnos con él. Todos los héroes son tristes, antipáticos, pragmáticos o incluso mezquinos. La película es el retrato descarnado de una guerra sin objeto, de un escenario despiadado donde el exterminio entre los hombres es la norma. En ese sentido, Troya es una película árida y sin asideros, y aunque ese enfoque tenga más de un punto de conexión con la actualidad, es un riesgo considerable para una producción tan costosa como ésta.

Cinecittà

2004-05-15T05:40:00.000+02:00

Voy a hablar de Federico Fellini, un director por el que tengo mucha simpatía. No por que fuera (que lo fue) uno de los más grandes genios del cine mundial, sino por algo más personal: siempre sabe hacerme reír. Sé que suena extraño lo que digo, porque muchas de sus películas son barrocas, difíciles y sombrías. Pero siempre, en cualquiera de ellas, hay algún momento que me hace reír. Es como si Fellini nos dijera que sí, que la vida es un espectáculo incomprensible, a veces vacío, a veces doloroso, pero que siempre hay un motivo para la esperanza y la alegría, algo en lo que fijarnos que sea simplemente sorprendente y que nos distraiga de nuestras obsesiones.
Como todos los grandes, imitó mal y fue peor imitado. Partió del neorrealismo pero se apartó pronto de esa escuela para seguir su propio camino personal. Vaya por adelantado que no he visto sus 20 películas, y de su primera época, la realista, he visto sólo dos. Los inútiles me parece una historia conmovedora sobre un grupito de gandules que están de parranda hasta cansarse, encabezados por un maravilloso Alberto Sordi. La strada es una tragedia sentimental situada en el circo, donde sobresale Anthony Quinn en el papel de Zampanó, que destroza la vida de Gelsomina (excelente papel de Giuletta Masina para su marido). Fellini siempre trató con el respeto y el cariño que se merece el mundo del circo, al que hay referencias en casi toda su filmografía.
Es a partir de La dolce vita, su primera gran obra, que Fellini empieza a distanciarse del realismo. Se recuerda mucho la escena de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi o la secuencia del falso milagro: pocos parecen recordar la visita del padre de Marcello, o el suicidio de su amigo Steiner. En esta película ya asoman muchos de los temas característicos del director, y que sólo puedo mencionar: la Iglesia, Roma y las mujeres. Y también es aquí donde comienza la feliz colaboración con Marcello Mastroianni, otro gigante del cine.
En Ocho y medio Fellini hace una pirueta demasiado arriesgada para mi gusto: hacer una película de la nada. Pero es un film de cierta importancia, porque es el punto de inflexión exacto entre el realismo y la tendencia a lo fantástico y lo irreal que a partir de entonces dominará al director italiano. Es, también, una interesante reflexión sobre la soledad.
La participación de Federico en el proyecto de Historias Extraordinarias, con su segmendo sobre Tobby Dammit, es más valiosa que algunos de sus largos. La densidad de este cortometraje es extraordinaria: no es una adaptación de Poe al uso, sino un chapuzón en la decadencia. Por cierto, la niña con su pelota que hace de demonio es verdaderamente espantosa: el primer toque de terror por parte del director.
Satyricon es una adaptación singularmente fiel del clásico de Petronio, pero con una escenografía marciana. La Antigua Roma parece realmente otro planeta. Fellini declaró que esa era su intención, pues no conocemos apenas nada de cómo vivían realmente los romanos de entonces. En Roma, el director hace una mezcla de recuerdos de adolescencia y sketches actuales sobre la ciudad eterna: destaca singularmente la escena en que los excavadores descubren una casa antigua y los frescos se evaporan por la entrada del aire. Sin embargo, Roma es una película que resulta fría sin pretender serlo.
Pero en Amarcord lo consigue todo. Esta evocación de la infancia de Fellini en Rimini tiene los rasgos irreales de siempre, pero están enmarcados con ternura y nostalgia. Esta película, lánguida y dulce al mismo tiempo, es la perfecta introducción al mundo de su director, la primera que recomendaría a quien no lo conociera. Y además es, de todas, mi favorita.
Pero la verdadera obra maestra del director italiano es Casanova, que viene a ser el revés de la anterior. Una obra gélida, cruel y profundamente extraña, en la que Fellini destroza el mito del famoso seductor, convirtiéndolo en un fracasado semental autodestructivo y patético. Curiosamente, esa visión lo termina humanizando. En una escena, Casanova se encuentra con su madre, en un teatro, y cuando la lleva a su coche, que es negro, un primer plano se acerca a las manos temblorosas y la cara de la mujer, que es una mueca al borde de la muerte. En otra, Casanova y una de sus amantes discuten sobre lo mal que se porta el culito de ella, como si fuera un niño travieso. Dos momentos significativos: el horror y el humor.
De las siguientes películas del maestro, sólo he visto tres, y las tres me resultan decepcionantes. Ensayo de Orquesta es una confusa alegoría, un género que siempre me pareció pobre. La ciudad de las mujeres exagera las cosas, pero tenemos a Mastroianni y una patinadora muda con un rostro inquietante, entre otras cosas: singularmente, el film no tiene nada de erótico. Ginger y Fred es un homenaje a un cine que no volverá, la última aparición de Giuletta Masina en su filmografía, que combina aciertos con errores en la misma proporción.
De las películas que no he visto de Fellini, me gustaría echarle un vistazo a Intervista, I Clowns y Almas sin conciencia. Por lo que sé de ellas, tienen suficientes elementos de interés para que les eche un vistazo, y corresponden a las tres edades de su cine: el comienzo, el apogeo y el ocaso.
Para acabar, me gustaría señalar que no conozco a ningún cineasta que sepa rodar la noche como Fellini, ni que sepa captar el sonido del viento como él lo hace. Hablando de sonidos, no puedo olvidarme de Nino Rota. El cine del director de Rimini no sería lo que es sin la música del colosal Nino Rota, que se merecería otro estudio como éste.

Variétés

2004-05-14T16:28:00.000+02:00

-Ya ha empezado Cannes. Las dos primeras películas a concurso ya han dejado buen sabor de boca. La principal retrospectiva se dedica al inconmensurable Buster Keaton. Se puede saber más en este sitio y también en este otro, que se puede ir consultando para ver novedades del evento.

-Este fin de semana se estrena Troya, que también ha desembarcado en Cannes. Insisto en que dejen a un lado a Brad Pitt y fíjense en cada gesto del hombre que hizo de Lawrence de Arabia y Lord Jim. Vale muchísimo más la pena.

-Y una novedad que no puedo dejar pasar por alto: el trailer definitivo de Los increíbles, la unión entre Pixar y Brad Bird, el creador de esa maravilla del Gigante de Hierro de la que saldrá un DVD especial en Otoño, con todo tipo de cositas.

Hielo en la sangre

2004-05-12T20:58:00.000+02:00

El miedo es una de nuestras emociones más instintivas y antiguas. Del mismo modo que la risa, es algo muy personal. Lo que a una persona le asusta puede serle completamente indiferente a otra. Si hablamos del cine de terror, se da algo muy curioso, cuyos antecedentes pueden encontrarse en los antiguos espectáculos de feria: uno paga para pasarlo bien pasándolo mal. Es algo así como una descarga de adrenalina: reaccionamos a una determinada escena con pavor, pero enseguida somos conscientes de que estamos en una sala, seguros y fuera de peligro, y queda una sensación de cosquilleante placer, lo que no impide esa imagen tan típica de ponerse las manos en la cara con los dedos entreabiertos.
Para entrar en materia, puede observarse esta lista de 100 momentos terroríficos de la historia del cine. Por supuesto, es una lista subjetiva, con la que tengo algunos desacuerdos, pero es una buena iniciación a la historia del cine de terror moderno. Los autores de la lista y yo estamos de acuerdo en el principio: Psicosis es la película de la que todo parte, y personalmente confieso que aún hoy logra hacerme sentir escalofríos. Los autores de la lista tienen una cierta fijación con determinadas películas. Por ejemplo, El resplandor, que ciertamente da miedo, pero me parece muy irregular. Si hablamos de cine americano, tenemos que hablar de los directores que indirectamente siguieron la estela de Hitchcock con brillantez en los 70. Hablo de Tobe Hooper, George Romero, John Carpenter, Sam Raimi y Wes Craven, principalmente. Hooper me parece de largo el más talentoso: La matanza de Texas, Poltergeist y El misterio de Salem´s Lot (ésta como miniserie de TV), son genuinamente terroríficas.
En la lista salen varios momentos de Tiburón. A mí me parece una magnífica película, pero como terror, me causa mucho más el camionero de El diablo sobre ruedas, ya que estamos con Spielberg. Y aquí es donde entro en otra consideración esencial a la hora de valorar el cine de terror, que ha dado poquísimas películas verdaderamente notables: su eficacia no reside en lo que se ve, sino en lo que se intuye o se imagina. Por eso Jacques Torneur se negaba (sin éxito) a mostrar al monstruo en su magnífica La noche del demonio. Polanski aprovecha ese efecto al máximo en La semilla del diablo.
De todas las películas de zombies, la mejor es sin duda La noche de los muertos vivientes, de George Romero, más que nada, por la sensación de agobio asfixiante que transmite. Del resto, una que de pequeño me lo hizo pasar bastante mal (por culpa de Mis terrores favoritos), es No profanar el sueño de los muertos, notable esfuerzo hispano de Jorge Grau.
De John Carpenter, la obra maestra absoluta es La cosa, donde Rob Bottin creó unos efectos especiales de auténtica pesadilla. Sam Raimi consigue milagros con Posesión Infernal, teniendo en cuenta su presupuesto. Y la primera película de Wes Craven, Pesadilla en Elm Street, juega con el miedo a quedarse dormido. Otra película con la que los autores de la lista tienen fijación es El exorcista, que siempre me pareció demasiado explícita, pero su inclusión es imprescindible. Aunque luego mencionan El exorcista III, que más que asustar, aburre.
Hay dos inclusiones que me parecen muy acertadas: La invasión de los ladrones de cuerpos, versión Philip Kaufmann, y Dumbo, de Walt Disney. Siempre he pensado que el cine de Disney, cuando éste vivía, tenía momentos verdaderamente espantosos. Pinocho, en ese sentido, es un ejemplo singular: hay que recordar toda la escena en el parque de atracciones para niños.
Desde luego, David Lynch es un maestro a la hora de inquietar. Cada vez que aparece Robert Blake en Carretera Perdida es para estremecerse, y Mulholland Drive está perlada de pura pesadilla a lo largo de su metraje. Es curioso que no estén mencionadas en la lista. Pero hay omisiones mucho más graves, como Hellraiser, de Clive Barker, o casi toda la obra del genial David Cronenberg (La mosca sería un buen botón de muestra).
Por ejemplo, mencionan la versión americana de The Ring, en lugar de la japonesa. Craso error: la original es mucho más inquietante, y añadiría que el cine de terror oriental es el mejor que se hace actualmente, a pesar del (engañoso) revival del género en el cine americano, del que sólo salvaría la excelente El Proyecto de la Bruja Blair. Tanto Ringu como Dark Water, The Eye, o Audition, me parecen puntas de iceberg excelentes de una manera espectacular de hacer cine de terror. Los japoneses entienden perfectamente otra de las claves del miedo: el sonido. El silencio, o un ruido determinado, o un súbito estruendo, pueden ser tan escalofriantes como las imágenes. De hecho, nos asustamos antes por el sonido que por la imagen. En ese sentido, La maldición, que he visto recientemente, es la película que más me ha asustado en mucho, mucho tiempo.

Cosecha negra

2004-05-11T16:29:00.000+02:00

Hablando de libros, una de las cosas buenas que tiene vivir en Barcelona (o cerca de ella), es que hay muchas librerías curiosas o especializadas. Acaba de abrir una de lo más interesante, y que hoy mismo ha inaugurado su propia página web: Criminòlic, una librería especializada en género negro y policíaco. Aparte de ser un interesante punto para un paseo, la noticia tiene mucho que ver con el cine: la librería organiza ciclos de proyecciones, vende libros como El cine negro de la RKO o Las películas de Sherlock Holmes (¡fascinantes!), y tiene una sección de DVDs muy maja. Un sitio ideal para perderse en un día lluvioso como hoy.

Un libro de culto

2004-05-09T19:42:00.000+02:00

Hasta ahora no he hablado de libros de cine. No leo demasiados, todo sea dicho: lo que más leo son revistas para estar al día. De todos modos, el mejor libro de cine que ha caído en mis manos es éste que véis en la foto: The Psychotronic Encyclopedia of Film, de Michael Weldon. El tipo en cuestión llevaba ya tiempo con un magazine del mismo nombre que reivindicaba el cine de culto más curioso. Las razones por las que este libro (que por cierto, no es nada caro) es mi biblia particular son variadas: la fundamental es que Weldon, bajo su apariencia frívola (es uno de los grandes reivindicadores de la obra de Ed Wood Jr.) tiene un conocimiento asombroso del cine. Lo demuestra porque en lugar de repetir los tópicos que dicen los demás, hace comentarios sobre filmes que casi nadie ha visto. El libro es una enciclopedia de 3000 fichas de cintas comentadas hasta 1983. Hay actores que están omnipresentes, y son de los más grandes: Bela Lugosi, Christopher Lee, John Carradine, Vincent Price. De cuando en cuando, suelta comentarios muy agudos sobre filmes notables, como los de Fritz Lang. Una fenomenal guía de consulta, que fue ampliada y continuada con una segunda parte igualmente destacable.

Piedras en el tejado

2004-05-07T19:31:00.000+02:00

Ha causado cierto revuelo la decisión de Disney de retirar la distribución, vía Miramax, de Fahrenheit 9/11, el último y presuntamente incendiario (ya el título lo indica) documental de Michael Moore, uno de los más astutos críticos de la sociedad de su país. Por lo visto, Harvey Weinstein tiene que responder ante Michael Eisner, quién tiene que responder ante Jeb Bush. La decisión, en todo caso, es un error absurdo, porque Moore no cuenta nada que no se sepa ya en ciertos ámbitos, y la prohibición sólo contribuirá a la mitificación de la película, como ya ha pasado otras veces. Limitar la libertad de expresión de este modo, además, convencerá a una mayoría de que, efectivamente, hay mucho que ocultar, ya que la película va a concurso en Cannes, y será vista de todos modos.

Segunda realidad

2004-05-06T05:16:00.000+02:00

"Era un escritor muy irregular, tenía libros muy buenos y otros mediocres. Eso dependía mucho de la cantidad de drogas que tomara." Esta es una de las mejores definiciones de la literatura de Philip K. Dick que he leído, de boca de Stanislaw Lem. En la gran mayoría de sus obras, Dick plantea la posibilidad de que la realidad sea una mentira, un sueño. Por eso sus argumentos son siempre atrayentes para los cineastas, expertos en crear ilusiones de realidad.
Con cierta astucia, el cine ha escogido, de la vasta bibliografía de Dick, libros menores y sobretodo relatos, para los que estaba particularmente dotado. Lo cierto es que el escritor fue testigo efímero del estreno de la primera adaptación de una de sus novelas, pero murió poco después de que Blade Runner se estrenase, no sin antes mostrar su satisfacción ante el resultado.
Podemos recordárselo al por mayor fue el primer cuento que fue adaptado, con singular acierto, por Paul Verhoeven en la adrenalínica Desafío Total, que tiene la virtud de ser extremadamente entretenida y provocar la reflexión al mismo tiempo, sobretodo con el muy ambiguo final. Memorable, por cierto, la actuación de Michael Ironside como villano. Hay planos soberbios, como el de Cohaagen mirando sus dominios desde la vitrina, un homenaje muy bonito a Metrópolis, de Fritz Lang.
Asesinos Cibernéticos es la adaptación del cuento Segunda Variedad, que habla de la lucha en un futuro remoto entre los humanos (Peter Weller al frente) y diferentes especies de androides escurridizos y miméticos. Está dirigida por Christian Duguay, y resulta una película correcta con momentos inquietantes, a pesar de las muchas críticas que ha recibido. Al fin y al cabo, es un film modesto, casi de serie B, en cuyo guión, al igual que el de Desafío Total, participó el hombre que ideó a Alien, Dan O´Bannon.
Steven Spielberg adaptó a sus propios intereses El informe de la minoría, con resultados espectaculares. Minority Report forma, con A.I., un díptico memorable de ciencia ficción pesimista. La resolución resulta algo precipitada y quizás poco creíble, pero no veo un reparo mayor en un conjunto que parece una especie de estilizado viaje al infierno. Hay momentos que son reflexiones inquietantes sobre el rumbo de nuestra sociedad: los salones virtuales, la publicidad personalizada, el oftalmólogo sádico (excelente Peter Stormare). En el guión participa Ronald Shusett, colega de O´Bannon en Desafío Total y en Alien. El círculo perfecto.
No he podido ver Infiltrado, la adaptación que Gary Fleder ha hecho de Impostor, un cuento de Dick particularmente conectado con sus novelas en la discusión de la realidad. He oído todo tipo de críticas, la mayor parte negativas. Pero me gusta el director, me gusta Gary Sinise, y me gusta el argumento del cuento, así que comprobaré personalmente, a la mayor brevedad posible, en qué medida ha influido la pésima distribución de esta película en nuestro país, dos años de retraso, a causa de su sonado fracaso en la taquilla estadounidense.
Sin embargo, no me parece que John Woo sea el director más propicio para adaptar Paycheck al cine. Su carrera americana es, en general, un desastre, Ben Affleck está insoportable, y a Uma Thurman se le nota que está descansando de sus esfuerzos con Tarantino. El comienzo, sin embargo, es brillante, y sale Paul Giamatti, un actor que me gusta mucho, en el papel de Shorty.
El balance es bastante bueno. Dick podría estar moderadamente satisfecho. Hay varios proyectos sobre otras tantas historias cortas sobre la mesa. El futuro imperfecto pinta bien para las versiones en cine del más paranoico y genial de los escritores de ciencia ficción.

Mi tesoro

2004-05-04T11:14:00.000+02:00

No contentos con sangrarnos con las ediciones extendidas de las películas de Peter Jackson (que por cierto, Ralph Bakshi sigue sin morderse la lengua al respecto), Howard Shore ya ha anunciado sus planes para la recopilación de toda la música de la saga: será una caja con 9 CDs, ocho para las películas y uno con material inédito y raro. Se ve que en la versión extendida del Retorno del Rey habrá un documental de tres cuartos de hora sobre cómo se hizo la música. Desde luego, los listos de New Line ya saben lo que hacen. Aquí hay más información para los curiosos.

Uno de los nuestros

2004-05-03T11:17:00.000+02:00

Es fácil imaginar por qué Freaks supuso, con su enorme fracaso, el precipitado final de la carrera de Tod Browning. Fue revolucionaria cuando se estrenó, en 1932, y sigue siéndolo hoy, y mucho me temo que lo será siempre. Como todos los genios, Browning fue más allá de lo que nadie pudo soñar, al mostrar a su tierna parada de los monstruos frente a la monstruosidad infinita de los bien parecidos Hércules y Cleopatra. Viendo la televisión de hoy en día, los periódicos y revistas de hoy en día, la realidad cotidiana de hoy en día, la propuesta de Tod Browning sigue siendo un insulto a la humanidad. Porque las apariencias cuentan más que los trasfondos, porque juzgamos todo por la superficie de las cosas, porque pensamos que lo bello y lo atractivo son las máscaras de la bondad, porque los monstruos sin escrúpulos son los dueños de las escaleras del éxito. Tod Browning lanzó un testigo que aún no ha sido recogido, y su obra cumbre, como todas las grandes obras maestras, plantea interrogantes que aún hoy, quizás más que nunca, nadie es capaz de responder.

A través del espejo

2004-05-01T20:27:00.000+02:00

Tras un período sabático, el Dr. Strangelove ha vuelto tras un visionado intensivo de Twin Peaks que lo ha transformado en el mismísimo Agente Cooper (esperemos que el buen Cooper, no el poseído por Bob). Su primer post tras la transmutación es un muy acertado análisis de la serie en su conjunto con interpretaciones realmente interesantes de los temas de esta serie inagotable. La nueva peich se llama Ghostwood y ya está en los links. ¡No esperen a visitarla!

La reina del baile

2004-04-30T20:54:00.000+02:00

Por sugerencia de mi hermano, veo esta lista de películas más taquilleras de todos los tiempos. La diferencia de ésta con otras listas similares es que está ajustada a la inflación, es decir, que refleja realmente la cantidad de público que fue a verlas. O sea, que ni Titanic ni leches: la película más popular y más vista de la historia del cine es Lo que el Viento se Llevó, firmada por Victor Fleming. Digo firmada porque en realidad Victor Fleming dirigió sólo el 45% de su extenso metraje. El resto se reparte entre Sam Wood (15%), William Cameron Menzies (que además fue el decorador, otro 15%), George Cukor (5%), B. Reeves Eason (2%), y un 18% corresponde a directores de segunda unidad.
Por no hablar de doce guionistas además del propio Selznick y que son: Sidney Howard, Jo Swerling, Charles MacArthur, Ben Hecht, John Lee Mahin, John Van Druten, Oliver H.P. Garrett, Winston Miller, John Balderston, Michael Foster, Edwin Justus Mayer y el insigne F. Scott Fitzgerald. Todo ello para adaptar a la gran pantalla una poco distinguida novela de Margaret Mitchell, pero que tenía un potencial enorme para ser un éxito en el cine.
La persona que adivinó ese potencial, y la responsable de todo el conjunto, es el todopoderoso productor David O´Selznick, que entonces trabajaba para la Metro Goldwyn Mayer. Un tipo con una cierta tendencia al sentimentalismo (cosa que estropeó algunas de las películas que Hitchcock hizo para él), pero con un tremendo olfato para el éxito.
El resultado de toda esta combinación de profesionales es tremendamente irregular: Lo que el Viento se Llevó es una película que, vista hoy, se hace larga y aburrida, algunos personajes son risibles (particularmente las criadas negras), Vivien Leigh está para matarla las más de las veces, y la descripción de las consecuencias de la guerra en unos personajes peca de ingenua, si la comparamos, por ejemplo, con Guerra y Paz de King Vidor.
Pero hay cosas por las que esta película se merece un sitio en la historia del cine. Por ejemplo, cuando el padre de Scarlett (espléndido Thomas Mitchell), le dice que nunca debe olvidar la tierra, la grúa se eleva en el mismo sentido en que lo hará cuando Vivien Leigh pronuncie las famosas palabras "A Dios pongo por testigo...": ese movimiento de grúa, de hecho, es el más acertado y célebre de la historia del medio. El personaje de Rhett Butler es particularmente interesante: se nota el oficio de Clark Gable en todo momento, aunque hizo películas mejores que ésta, y que se recuerdan menos. La panorámica que muestra a los heridos en Atlanta es impresionante. El insomnio de la hija de Rhett y Scarlett en Londres se muestra muy bien. La secuencia en que la carreta pasa justo delante de una casa en llamas a punto de derrumbarse es pura emoción y espectáculo. Y lugar muy destacado merece Max Steiner, que compuso una banda sonora verdaderamente magistral.

25 razones

2004-04-29T19:54:00.000+02:00

Éstos son los principales motivos por los que no creo que La amenaza Fantasma sea esa película tan horrenda que todo el mundo dice ser:

1) El comienzo, quince minutos de espectáculo puro.

2) Darth Sidious.

3) La secuencia en que R2D2 salva a la nave mientras escapa del bloqueo.

4) Watto.

5) El momento en que Anakin mira a Qui-Gon mientras comen, en apariencia un innecesario y casi invisible efecto especial hecho por ordenador.

6) La carrera de pods, una secuencia magnífica y con sentido argumental.

7) La despedida entre Anakin y su madre.

8) Darth Maul.

9) La incomodidad de Anakin en Coruscant.

10) La escena del Senado Galáctico.

11) Palpatine.

12) Las referencias a la hipotética extinción de los Sith.

13) La profecía de "aquél que traerá equilibrio a la Fuerza".

14) La mirada de odio que Anakin le dedica a Mace Windu en el Consejo Jedi.

15) El saludo entre Anakin y Obi-Wan.

16) La extraña relación entre Anakin y Padme.

17) Qui-Gon diciéndole a Obi-Wan "eres más sabio que yo".

18) La sorpresa de Anakin cuando sabe quién es Padme.

19) La aparición de los Gungans entre la niebla.

20) El despliegue de droides en la batalla contra los Gungans.

21) El duelo entre Darth Maul, Qui-Gon y Obi-Wan.

22) El momento en que Qui-Gon se sienta a meditar, mientras Darth Maul lo acecha como una pantera, separados por un campo de fuerza antes de volver a luchar.

23) El funeral de Qui-Gon, en que se plantean muchos interrogantes.

24) El falso final feliz.

25) La respiración de Darth Vader al final de los títulos de crédito.

La última sesión

2004-04-27T19:53:00.000+02:00

Hoy toca reflexión filosófica, debe ser que lo de Star Trek me ha hecho mella. En un post anterior, hice un homenaje al VHS, pero ahora la realidad es el DVD. Recuerdo que hubo un tiempo en que se decía que los videoclubs acabarían con el cine, y al final no fue así. Pero ahora, lejos de ser apocalípticos, hemos de reconocer que las salas de cine están perdiendo espectadores tanto aquí como en el extranjero. Las causas posibles son varias, pero yo apuntaría dos: el auge del DVD, con su calidad de sonido e imagen, y la llegada de Internet.
El ejemplo más simple de esto es Kill Bill. Ante la pésima distribución que tuvo en este país, ¿quién no se la bajó por emule o Kazaa? Y encima se nos echa la culpa a los usuarios. El público mayoritario sólo va a una sala de cine a ver películas que sean poco más o menos un acontecimiento. El formato de exhibición en las salas comerciales no ha evolucionado a la par que los formatos domésticos. El IMAX, que se pretendía un paso adelante, se ha quedado como curiosidad. George Lucas pretendía exhibir sus nuevas entregas de La Guerra de las Galaxias sólo en cines digitales, pero, por poner un ejemplo, sólo hay uno en toda Cataluña.
Y el cine es caro. Hay que pagar unos seis euros por la entrada, eso sin contar chucherías varias, luego encima tienes que aguantar, o bien a un público ruidoso que te distrae, o bien a un público puritano que te mira con malos ojos si te comes unas pocas palomitas (lo siento, soy adepto a las palomitas, ¿qué pasa?). Con unos cuatro meses de paciencia, puedes ver la misma película por un máximo de dos euros en la comodidad de tu casa, comiendo y haciendo lo que te dé la gana, parándola si quieres, poniéndola en versión original o doblada, y hasta saber cómo se hizo.
Y, si no tienes tanta paciencia, pues puedes ir al top manta o bajarte la película que te interese por redes P2P. Esto es así: las discográficas ya están perdiendo dinero a pesar de su cruzada contra la piratería. La industria cinematográfica se está quedando anticuada, y el peor efecto colateral de todo ello es que no pierden las películas mayoritarias (un montón de gente irá a ver esa mamarrachada de Van Helsing, eso sin dudarlo), sino las minoritarias. Spider, de David Cronenberg, duró dos semanas en cartel, y las distribuidoras no se arriesgan los cuartos por títulos que igualmente tendrían poco que hacer en la cartelera, y que limitan su exhibición a los festivales correspondientes.

La última frontera

2004-04-25T18:20:00.000+02:00

La ciencia ficción suele ser, con escasas excepciones, pesimista. Una de esas excepciones es Star Trek, que es el fruto del sueño de Gene Roddenberry, un ex piloto de aviación que ideó en los años 60 una serie novedosa dentro del género. En el futuro, los hombres han extendido la colonización del espacio por toda la galaxia, viven (generalmente) en paz con la mayoría de razas y han formado una Federación de Planetas Unidos. Una nave, el Enterprise, tiene como misión establecer contacto con nuevas formas de vida y nuevas razas para ampliar el conocimiento del Universo. En la civilización imaginada por Roddenberry, los negros, las mujeres, y los extraterrestres por igual tienen las mismas oportunidades para ocupar cargos de alto rango. Es una visión conmovedora e idealista del futuro, que se plasmó el 8 de septiembre de 1966 con la emisión del piloto de la serie original.
En consonancia con esas ideas, Star Trek no es una serie centrada en la acción, sino en los diálogos y en las relaciones entre los miembros de la tripulación. El ritmo de la serie es pausado, lo que aún hoy divide a los aficionados a la ciencia ficción: muchos se aburren con ella, y otros (los trekkies) la adoran hasta el fanatismo. Lo curioso es que la serie original fue un fracaso, y la NBC la canceló a las tres temporadas, por sus bajos índices de audiencia. Fueron las reemisiones, y los fans, quienes consiguieron, tras largos años de espera, reivindicarla y hacer que continuase en forma de películas y nuevas series que continuasen con la premisa original. Hoy en día, el Universo Star Trek consta de seis series y diez películas hasta el momento, y es un fenómeno muy lucrativo para la Paramount. Es la única ficción televisiva que puede presumir de llevar casi 40 años en antena.
De todos modos, yo me quedo con la vieja y cálida serie original y su trío de protagonistas, el capitán Kirk (William Shatner), Mr. Spock (Leonard Nimoy), y el Dr. McCoy (DeForest Kelley). En sus episodios más inspirados, se mostraban ideas de ciencia ficción muy ingeniosas, y en conjunto, Star Trek: la serie original, es un canto a la amistad y al uso de la razón para resolver todo tipo de problemas. Por cierto, la serie tuvo continuidad en los 70 en forma de una serie animada de cierto interés.
Pero no fue hasta finales de los 80 que Star Trek: la Nueva Generación tomó el testigo. Tras tres temporadas dubitativas, la serie mostró, ya entrados los 90, un nuevo y más sombrío espíritu acorde con los tiempos: las amenazas a la Federación aumentaron y se hicieron más peligrosas, como los temidos Borg, y las relaciones entre los tripulantes ya son más frías. El Capitán Picard (Patrick Stewart), es un fanático de la disciplina y el conocimiento, y su falta de emociones, que encuentra en contrapunto irónico en el androide Data (Brent Spinner), se pone de manifiesto, de modo doloroso, en los encuentros con miembros de la vieja serie, como Spock, Scotty o Kirk, momentos conflictivos que acaso reflejen la tensión real entre la vieja y la nueva guardia de actores. Sin embargo, La Nueva Generación encontro su sitio, se consolidó como la más exitosa de todas, y tiene episodios cuyos guiones pueden rivalizar con las mejores novelas del género.
En Deep Space Nine, la oscuridad toma una forma clara. Es la primera serie de Star Trek que tiene un arco argumental, una especie de guerra mundial interestelar provocada por un poderoso y desconocido Imperio llamado Dominion cuyos planes son apoderarse de todo un cuadrante de la galaxia. La acción no está, como es habitual, situada en una nave, sino en una estación espacial permanente, con un capitán negro y desengañado llamado Benjamin Sisko (Avery Brooks). Es la serie más épica y espectacular de la saga. También es la más tenebrosa.
La decadencia empieza con Star Trek: Voyager, que trata de recuperar el espíritu de la serie original, con una nave que por un accidente acaba a millones de años luz de su orígen, y cuyo regreso es el argumento general de toda la serie. La capitana es una mujer llamada Kathryn Janeway (Kate Mulgrew), pero carece del carisma necesario, y los guionistas tuvieron que recurrir a viejas ideas (el encuentro con los borg y la incorporación de uno de ellos a la tripulación), para empezar a remontar el vuelo perdido.
La última serie hasta el momento, Star Trek: Enterprise, es una precuela en la que se muestran los primeros contactos con otras razas y cómo empezó a formarse la Federación. Es decir, está situada cronológicamente antes de la serie original, pero con efectos de primera, lo que no deja de ser paradójico. El Capitán es Jonathan Archer (Scott Bakula). Por el momento, está teniendo numerosos problemas para proseguir su continuidad, debido a los bajos índices de audiencia.
Capítulo aparte son las películas. De las diez producidas hasta hoy (ya hay rumores de una onceava, a pesar del descomunal fracaso de la última), prefiero las dos primeras (con dos bandas sonoras estupendas de Jerry Goldsmith y James Horner), y las últimas que muestran a algún miembro de la tripulación original, es decir, Aquél País Desconocido y Generations. Las demás se dejan ver, pero siendo honestos, ninguno de los diez largometrajes llega a ser una obra maestra de la ciencia ficción, o el perfecto homenaje a la saga televisiva que muchos hubieran querido.

Secretitos

2004-04-22T21:03:00.000+02:00

Hoy es un día espectacular en noticias relacionadas con el mundo del cine. Normalmente no suelo hacerme eco de los rumores sobre proyectos, repartos, y directores. Una película, como aprendí de Carlos Pumares (poco más o menos mi Dios), no existe hasta que uno no la ve. Pero es que estas tres noticias son realmente de impacto:

1) El próximo proyecto de Steven Spielberg, ya confirmado, es una película sobre el atentado contra los atletas de los Juegos Olímpicos de Munich 72. Aquí está toda la información necesaria.

2) La película más esperada en la Linterna después de Kill Bill Vol. 2, esto es, Sky Captain and the World of Tomorrow, aplaza su estreno unos tres meses en USA debido a los complicados efectos especiales que se piensan usar. A esperar tocan. Aquí está la noticia y bonitas imágenes de la película.

3) La traca final, servida hoy mismo por AICN. La adaptación del comic Watchmen, que lleva años guardada en el arcón de los proyectos aplazados, sigue adelante, y ya tiene un director: su nombre es Darren Aronofsky.

El gran escaparate

2004-04-22T20:18:00.000+02:00

Como era de esperar, la programación de este año del mejor festival del cine del mundo es, una vez más, impresionante en calidad y variedad. Realmente, es una pasada ver cómo esta gente se lo monta para traer lo mejor del mercado internacional antes que nadie. Además, este año el Festival se abre con la última película de Almodovar (esto lo digo para sus fans, entre los que no me cuento), y estará presidido por el inefable Quentin Tarantino. Pero atentos a la selección oficial (ni pensar quiero en las maravillas que se verán en secciones paralelas):

Shrek 2 - Andrew Adamson, Kelly Asbury, Conrad Vernon (USA)

The Ladykillers - Joel et Ethan Coen (USA)

La Femme est l'avenir de l'homme - Hong Sang-soo (Korea)

The Life and Death of Peter Sellers - Stephen Hopkins (UK)

Nobody Knows - Kore-Eda Hirokazu (Japan)

La Vie est un miracle (Zivot je Cudo) - Emir Kusturica (Serbia/Monténégro)

La Nina Santa - Lucrecia Martel (Argentina)

Fahrenheit 9/11 - Michael Moore (USA)

Ghost in the Shell: Innocence - Oshii Mamoru (Japan)

Old Boy - Park Chan-wook (Korea)

Diarios de motocicleta (Voyage à motocyclette) – Walter Salles (Brasil)

Le Conseguenze dell'amore - Paolo Sorrentino (Italia)

Tropical Malady - Apichatpong Weerasethakul (Thailand)

Edukators (Die Fetten Jahre sind vorbei) - Hans Weingartner (Germany)

2046 - Wong Kar-waï (China)

Clean - Olivier Assayas (France)

Exils - Tony Gatlif (France)

Comme une image - Agnès Jaoui (France)

Qué difícil elegir. He puesto en cursiva a los directores cuyas películas a concurso me merecen mayor atención. Para ampliar la noticia, podéis consultar aquí algunas cosillas más.

En algún lugar del tiempo

2004-04-22T19:42:00.000+02:00

Hace no muchos días, el Museo de Cine de Amsterdam anunció el hallazgo de una película muda cuyas copias estaban completamente perdidas desde hacía 75 años, y que era el arca perdida de los historiadores de cine, pues es la única que reúne a Rodolfo Valentino y Gloria Swanson, la inolvidable Norma Desmond de Sunset Boulevard, la obra maestra de Billy Wilder. Como suele ocurrir en estas cosas, la copia fue hallada totalmente por casualidad de forma fragmentaria, formando parte de la colección que un cinéfilo ya fallecido había donado al museo. El filme en cuestión se titula Beyond the Rocks y está dirigido por Sam Wood. Como es natural, me resulta imposible adivinar la calidad del título, más allá de su valor histórico innegable. En todo caso, conviene recordar que Sam Wood ha dirigido en su totalidad películas como Una noche en la ópera y Un día en las carreras, de los Hermanos Marx, Adiós Mr Chips, El orgullo de los yankies y Por quién doblan las campanas. También ha rodado escenas de La reina Kelly, de Erich Von Stroheim, y de Lo que el viento se llevó. Un currículo que le da un cierto crédito, pero en todo caso, el rescate de una obra perdida de cine mudo siempre es una buena noticia. Ojalá suceda lo mismo con algunos títulos de Tod Browning.

El señor de la noche

2004-04-21T11:46:00.000+02:00

Tim Burton estrenó Batman en un momento idóneo: el final de la década de los 80. La película se puso de moda rápidamente, disparó las ventas de la música de Prince, y dio pie a una saga de películas que, hasta el momento, no han alcanzado la originalidad y oscura belleza de la primera. Lo cierto es que la elección de un director tan personal como Tim Burton para un megaproyecto de estas características no deja de ser curiosa. Sin embargo, resultó todo un acierto. Burton captó la verdadera esencia de los comics de la larga historia del personaje, particularmente de los mejores: las historias originales de Bob Kane y los esfuerzos entonces recientes de Alan Moore y Frank Miller. De ellos recoge la vertiente nocturna del personaje, a diferencia de la (por otra parte hilarante) serie de TV de los 60, que recoge la herencia de los comics de su época.
Batman, de Tim Burton, es una película llena de grandes momentos, en la que de entrada destacan los fastuosos diseños del malogrado Anton Furst para Gotham City, que es presentada como una ciudad apocalíptica y corrupta, un marco gigantesco para la lucha sin tregua entre el héroe y su némesis, el Joker (personaje al que el histrionismo de Jack Nicholson le sienta como anillo al dedo). De hecho, buena parte de los mejores momentos de esta espléndida película le corresponden al villano de la eterna sonrisa, al que Burton parece tenerle un especial afecto: la entrada en el museo del Joker y sus acólitos, destrozando todos los cuadros menos uno de Francis Bacon; sus divertidas apariciones en televisión; el desfile del Joker por las calles, tirando dinero a los transeúntes; el asesinato del concejal, que empieza con una inofensiva entrada de mimos; y, por descontado, el enfrentamiento final en la iglesia gótica.
Hay otros momentos memorables: el asesinato de los padres de Bruce Wayne de niño, con las perlas cayendo en la acera mojada, la entrada en la batcueva de Bruce y Vicki Vale, el sutil homenaje a Bob Kane en los dibujos de prensa, y la entrada en escena del batmóvil, de diseño espectacular. Sin embargo, también afloran sus peores defectos. Uno de los más graves es que Tim Burton no sabe dirigir secuencias de acción: en los combates entre Batman y sus adversarios hay una alarmante falta de ritmo. Y la pareja formada por Michael Keaton y Kim Basinger es endeble, incluso a pesar de la increíble belleza que muestra la segunda. Hasta Michael Gough, haciendo de Alfred, les roba planos.
Sin embargo, ya José Luis Guarner y Jordi Costa defendieron las grandes virtudes de esta gran adaptación de los comics al cine en un momento en que todos los demás críticos la atacaban con saña. José Luis Guarner señalaba lo sorprendido que estaba de la sobriedad y carácter grave de la historia, y Jordi Costa apuntaba en las relaciones que Burton establecía con los mejores comics de la saga. Burton repitió con el personaje en Batman vuelve, película que en mi opinión se le escapa de las manos, imponiendo un cierto histerismo neurótico a la historia. Después Joel Schumacher hizo dos bodrios de los cuales no quiero acordarme. Esperemos que Christopher Nolan le vuelva a hacer justicia al justiciero nocturno en un proyecto que parece ir viento en popa.

¡Extra, Extra!

2004-04-19T10:29:00.000+02:00

Para empezar la semana, nada mejor que un boletín de noticias frescas de la web, como cuando uno entra a la oficina y lo primero que hace es mirar las noticias y el jueguecito del día, u otras cosas. Allá van, sin orden aparente:
- Kill Bill 2 se ha estrenado ya en los USA, aquí la veremos en Julio. Las críticas son aún más entusiastas que en la primera parte. ¿Es posible que Tarantino mejore la primera? En todo caso, en Junio sale el DVD de ésta.
- Animation Blast ha dejado de actualizarse. Amid Amidi, creador de una de las mejores webs de animación del panorama, se ha unido a Jerry Beck, de Cartoon Research, para presentar Cartoon Brew, un blog conjunto que nadie debería perderse. En breve haré la sustitución correspondiente en mis links.
- Escuchad al maestro hablando de una de las más grandes películas de Jean Renoir: Esta tierra es mía. Sólo oyendo lo que dice, y cómo lo dice, me han entrado ganas compulsivas de comprarme el DVD.
- En AICN hacen una extensa y apasionante entrevista a uno de los mejores animadores del momento, y uno de los pocos que aún hace cada dibujo a mano: el malsano y genial Bill Plympton.
- Investigando sobre la fecha de lanzamiento de este DVD, llegué por casualidad a Hellnation, una web sumamente atractiva sobre cine asiático y de terror. Ya está agregada a los links.

Pantalla de sueños

2004-04-17T11:48:00.000+02:00

En Hannah y sus hermanas, Woody Allen interpreta a Mickey, un personaje hipocondríaco que empieza a obsesionarse con su salud a raíz de lo que finalmente resulta ser una insignificante infección de oído. Una vez libre de esa preocupación, le asaltan otras mayores de caracter existencialista, y vuelve a obsesionarse. Al final consigue romper con todo eso entrando por casualidad en una sala de cine y viendo Sopa de Ganso de los Hermanos Marx, que le devuelve las ganas de vivir. Esta es la mejor ilustración del poder del cinematógrafo: en este artículo podéis ver hasta qué punto el cine podría tener, por sus características, la misma función que las iglesias y catedrales en la Edad Media. Yo no quiero ir tan lejos, por supuesto, pero hay que reconocer que cuando uno entra en una sala de proyección, se sienta en la butaca, y se apagan las luces, se olvida automáticamente de toda preocupación y su atención se dirige hacia las vidas ficticias que se representan en la pantalla. Si hay suerte y la película es buena, habrá pasado un rato en grande, cuyos efectos serán similares a los de un viaje, haciéndole ver con distancia que lo que le preocupa es, como todo, relativo. El cine es un arte, no inferior a las viejas artes clásicas en ningún modo, y como arte que es, no sólo nos eleva el alma, sino que a menudo nos la deja como nueva.

Notas de campo

2004-04-15T02:51:00.000+02:00

Mientras preparo un mega-post sobre uno de mis temas predilectos, y ultimo unas obligaciones que me han surgido estos días, dejo estas notas sobre filmes vistos o por ver que me han llamado la atención en estos días:
El fin de semana vi En América, de Jim Sheridan. La verdad, esperaba bastante más de ella: presenta la vida como una especie de fábula o cuento de hadas moderno que no convence por incoherencia con la dureza de la situación planteada. Lo único destacable son los homenajes a E.T. y Las uvas de la ira, dos obras inagotables.
El martes emitieron en un canal autonómico Réquiem por un Sueño, de Darren Aronofsky, con lo que pude verla por segunda vez. ¡Ah, ésta sí que es grande! Una de las películas más impactantes y duras que he visto en mi vida, rodada con pulso magistral y llena de innovadoras soluciones de filmación. En su momento, ganó una polémica pero merecidísima Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid del año 2000. No es plato a gusto de todos, pero es cine de muchos quilates.
El Domingo próximo emiten, a un horario imposible, una película de Frank Borzage inédita en nuestro país, Ese es mi hombre, en versión original subtitulada. Una ocasión para comprobar una vez más la firmeza y variedad del cine clásico norteamericano.

Futuro imperfecto

2004-04-13T03:54:00.000+02:00

Poco antes de que Star Wars irrumpiera en las pantallas, el cine de ciencia ficción de los años setenta era muy distinto: pesimista, agrio, preocupado por la tecnología y sus repercusiones. La mayoría de estas películas se han dado en llamar distopías futuristas, pues, al contrario de las utopías, presentaban un futuro más bien negro para la humanidad.
Es curioso que el mismo George Lucas lo hiciera en THX 1138, donde se presenta una sociedad bajo el dominio de los ordenadores y donde el amor es un delito. En Naves Misteriosas, Douglas Trumbull nos cuenta de un modo poético la historia de una nave que preserva los últimos vegetales que quedan después de la destrucción ecológica de la Tierra. Charlton Heston, a raíz de su papel en El Planeta de los Simios, se hizo el protagonista de Soylent Green, una joya de Richard Fleischer donde la superpoblación presenta problemas en la distribución de alimentos y en las desigualdades sociales, y de El último hombre vivo, una más bien pobre adaptación de la novela de Richard Matheson Soy Leyenda a las preocupaciones de la época.
En Almas de Metal, de Michael Crichton, los robots de un parque de atracciones se rebelan contra las personas, bajo la forma de un inquietante Yul Brynner vestido de vaquero. Norman Jewison convierte en Rollerball la atractiva idea de que los deportes del futuro serán ultraviolentos en una desigual película, donde destaca James Caan como protagonista. En el panorama que presenta La Fuga de Logan, se decreta que los hombres deben morir cuando llegan a los 30 años. En la impresionante y aséptica Sucesos en la IV Fase, el diseñador de créditos Saul Bass propone una guerra entre los hombres y las hormigas, más inteligentes que ellos. En la inquietante Engendro Mecánico, un científico diseña un computador que viola a su esposa, y la deja embarazada.
Poco después llegó Ronald Reagan al poder, George Lucas y Spielberg cambiaron la faz del cine, dándole una nueva dimensión neorreligiosa y algo ingenua, y el poder de persuasión de estas películas desapareció bajo la estela de los nuevos talentos, que supieron reflejar muy bien lo que los adolescentes querían ver en el cine en el momento preciso. Pero, en estos tiempos inquietantes, conviene recordar estas visiones peligrosas, que en algunas cosas, acabaron siendo proféticas.

El mal absoluto

2004-04-11T12:26:00.000+02:00

Escrita tras tres años depresivos en los que Bret Easton Ellis se codeó con ejecutivos de Wall Street, la novela American Psycho se erige, por derecho propio, en la más feroz crítica jamás lanzada al vacío de nuestra sociedad de consumo de fin de siglo. La adaptación fílmica de una novela tan personal ofrecía grandes dificultades: muchos fueron los nombres de directores y actores que se barajaron, hasta que finalmente Mary Harron y Christian Bale se hicieron cargo del asunto. El resultado, con no ser perfecto, es espléndido en mi opinión. American Psycho, la película, cumple muy bien la traslación a imágenes de las largas descripciones que leemos en la novela: vemos los trajes, las lociones, los productos, y no su enumeración. Eso es el cine: contar en imágenes lo que la literatura hace en palabras. Algunas personas parecen sentirse decepcionadas con la falta de violencia y sexo explícitos que están en la novela. Hay que recordar que eso hubiera supuesto una dificultad de distribución añadida, y la sra Harron soluciona con mucha elegancia el problema: un uso abundante y muy cuidado de la elipsis nos ahorra un festival de cine gore que nos hubiera distanciado inconvenientemente de la trama. La película es un elaborado digest de la novela, y nos presenta las situaciones más divertidas e inquietantes de la misma, con una fotografía fría y metálica, un uso del scope y encuadre modélicos, y un casting que sólo puedo calificar de impecable. Christian Bale realiza aquí una interpretación de sobresaliente (se recomienda oírlo con su tersa voz original), tensa y crispada, por la que se le recordará en el futuro. Hay ligeros cambios con respecto a la novela, la mayoría en favor de la inquietud, pero son perfectamente insertables en la ficción de la vida de Bateman. Destacaría el diseño de producción, muy aproximado a la idea que uno se ha hecho de las situaciones escritas, y la corta pero magnífica colaboración de Willem Dafoe. Sólo echo en falta más metraje, para cubrir más aspectos de la vida del yuppie asesino. Pero la selección es excelente, y el montaje final supera, con muy mucho, tras una producción erizada de dificultades, lo que podía esperarse de él.

Ley de vida

2004-04-08T19:58:00.000+02:00

Aprovechando estos días, uno puede acercarse al videoclub y alquilar alguna película de esas que se le había escapado en las salas de cine. A propósito de Schmidt fue la que vi el pasado Domingo. En cuanto acabé de verla, lamenté no haberla visto antes, y al mismo tiempo lo celebré: es una historia deslumbrante. A estas alturas, Jack Nicholson ya puede permitirse hacer intrascendencias como Ejecutivo Agresivo y Cuando menos te lo esperas, pero entre ellas, se sitúa el mejor retrato de la vejez que he visto desde que se estrenó la magna Una historia verdadera, de David Lynch. En A propósito de Schmidt, Nicholson demuestra sobradamente por qué ha conseguido ganar tres Oscars. Su personaje, Warren Schmidt, lo pierde progresivamente todo. Con su jubilación, su trabajo. Luego, a su mujer, y a su mejor amigo. Y, en cierto modo, también pierde a su hija. Pero Warren Schmidt afronta todos estos infortunios, a su avanzada edad, con un notable sentido de la dignidad, y desahogándose con las cartas que envía al niño que ha apadrinado, Ndugu. En ningún momento demuestra mejor su orgullo que en la impecable escena del discurso que da en la boda de su hija, discurso que no tiene una palabra de verdad, una falsedad subrayada por los primeros planos a las personas a las que se dirige, pero disimulada por el aplomo del padre de la novia. El mérito de esta escena y de toda la película se reparte a partes iguales entre Nicholson y Alexander Payne, su director y guionista. Hay mucho de americana en esta historia, y no en el sentido esperado. A pesar del pesimismo del guión, hay momentos francamente divertidos, y por otro lado, otros esperanzadores: la carretera como liberación, la caravana como símbolo de que nada es fijo, el redescubrimiento a partir del viaje, el inmenso paisaje americano que empequeñece y anima al fracasado protagonista. Y el plano final te deja con un nudo en la garganta. Lo dicho: una película deslumbrante.

Huevos de Pascua

2004-04-06T01:31:00.000+02:00

Ya estamos en Semana Santa, y ya he visto la más bien espeluznante programación que las cadenas de interés general nos tienen preparados. Entre mucha casquería, pues las películas de cada año en estas fechas: que si Espartaco, que si Ben-Hur, que si la típica de Jesús... lo de siempre. Películas que no es que sean malas (algunas son excelentes), pero que de tanto repetirlas pues aburren al personal, como el crimen que hace Antena3 con Los Simpson. ¿Cuándo, oh lares del hogar, echarán Padre de Familia para aquellos que no tenemos satélite? Bueno: en todo caso, es que no hay que ser muy imaginativo para poner una programación de cine algo más divertida en una semana de asueto. Yo propondría un poco de peplum y spaghetti western, que son géneros la mar de prolíficos y entretenidos, o películas de esas de arañas gigantes y hombres radiactivos, aunque sea a horarios infames, de esas que nos animaban los Sábados en la Sobremesa allá en los tiempos remotos. Y si no, para los fervorosos, pues pongan el Ben-Hur de Fred Niblo, así para comparar, o la Cleopatra de Cecil B. de Mille, que de puro hortera tiene hasta su gracia. Pero no, que eso cuesta un poco de esfuerzo, recurramos a lo de siempre, y más vale que alguien me dé un pellizco para que salga del país de los sueños.

De obras otra vez

2004-04-04T11:01:00.000+02:00

Hoy prácticamente todas las visitas son mías, es mi tercer día de obras (después del sufrido inicio y del diseño inicial con links). El objetivo era dar una cabecera un poquito más diferencial, ya que hay muchos blogs con este diseño. He decidido cambiar la foto de cabecera, pero he alineado ésta con el cuerpo, la he hecho más grande y he puesto unas letras más llamativas y tal.
Horrores me cuestan estas cosas. Cómo envidio a los que saben programar y tienen facilidad de diseño. Esta cutrada que se ve me ha costado sangre, sudor y lágrimas. En fin... en Verano supongo que haré los cambios definitivos, y me aprenderé lo que sea necesario. Hoy todo el día de supervisión. Lo mío es vocacional, está más claro que el agua.

Via Crucis

2004-04-03T12:29:00.000+02:00

Como ya dije, ayer fui raudo a ver en riguroso estreno la última película de Mel Gibson, con la intuición de que iba a ver algo especial. La pasión de Cristo, por su misma naturaleza, es un filme que estaba destinado a crear controversias extracinematográficas de magnitud. Yo a eso sólo puedo decir una cosita, y es que la película sigue punto por punto el texto de los Evangelios: lo poco que añade no va en ninguna dirección que vaya contra ningún colectivo o raza. Dicho esto, ver La Pasión de Cristo es una experiencia extraordinaria.
Viendo lo que ha hecho, entendí al fin por qué Mel Gibson no quería subtítulos: aunque parezca increíble, no son imprescindibles para entender una película que cuenta una historia que se asienta con firmeza en el poder de las imágenes por sí solas. Eso es cine en estado puro. La Pasión está llena de imágenes y secuencias impresionantes, desde el primer hasta el último minuto. La mayor parte de su metraje, no lo negaré, es de una dureza física y psicológica casi inédita.
También es una película llena de belleza. A lo largo de todo el metraje, se intercalan flashbacks con momentos de la vida de Cristo. Rara vez los había visto tan bien utilizados, tan conmovedores. Algunos duran breves segundos, otros algo más, pero todos tienen un sentido narrativo perfecto, ya que apoyan la acción presente con nuevos puntos de vista.
También hay imágenes concretas que te hielan la sangre en la butaca: momentos puntuales que entran de lleno en el cine de terror. Algunas de estas imágenes, por cierto, demuestran que Gibson no sólo conoce los Evangelios, sino todo el material bíblico al dedillo, e incluso me ha parecido detectar referencias explícitas a John Milton. No puedo ni quiero ser más específico al respecto.
Los actores están impresionantes, en especial James Caviezel como Jesús, Maia Morgensten como María, Francesco de Vito como Pedro, y sobretodo, Hristo Shopov en el papel de Poncio Pilato. El retrato de Pilato en La Pasión es fascinante, un personaje lleno de dudas y ambigüedad, que oscila entre la compasión y el ejercicio de su poder como procurador de Judea. Hay una enorme diferencia de clase entre los romanos: los superiores demuestran una dignidad muy superior a sus subordinados. En el caso judío, es al contrario: son los más humildes los que demuestran compasión en lugar de las autoridades. Esa ambigüedad está presente en la Biblia y en la película.
La fotografía, la banda sonora de John Debney, el montaje... todo tiene su lugar, todo encaja como los elementos de un cuadro de Velázquez. Es bastante difícil que vea una película mejor que ésta en lo que resta de año, yo ya me doy por contento.
Más allá de la división entre creyentes y ateos, no está de más decir que una lectura previa de los Evangelios es una gran ayuda a la hora de valorar todo lo que Gibson quiere transmitirnos. Con respecto al sufrimiento de Cristo, hay varias maneras de enfocarlo: como una muestra de la brutalidad humana, o como la prueba de que el sacrificio que Jesús hizo para realizar su misión fue inmenso. En cualquier caso, cobra sentido, y deja en mantillas a todas las películas precedentes que se han hecho sobre el tema, que no son pocas.
Eso sí, lo digo con toda seriedad. En el cine, ayer, no había ningún niño, y vi algunas personas afectadas por lo que estaban viendo. Es totalmente irresponsable que un niño vea La Pasión: es una película para adultos, y para adultos con un cierto grado de capacidad de análisis y que no sean demasiado sensibles ante las escenas de violencia gráfica. Cumplidas esas condiciones, la visión de esta maravilla es algo que vale la pena.

Sesenta días

2004-04-02T11:02:00.000+02:00

Hoy esta página cumple dos meses, cosa que celebraré yendo esta noche a ver La Pasión de Cristo, es decir, a mi manera. Dos meses son ya motivo de comentario. La verdad es que mantengo aún toda la ilusión con la que empecé esto, y espero que eso se note en el resultado.
Tengo en cuenta a todos los que visitaís la linterna, pero, muy especialmente, a los colegas de blog que he conocido en estos dos meses, a los comentaristas entusiastas que me animan y me hacen sonreír, y a aquellos que, leyéndome, han confiado en mí para poner mi granito de arena en sus páginas. Vosotros ya sabéis quiénes sois, ¡gracias a todos!
Los comentarios me han sido muy útiles, porque me dan ideas para hacer posts. Tengo ya varias sorpresas preparadas, y espero hacer algunos pequeños cambios de diseño en cuanto encuentre tiempo libre (porque soy torpe de narices en eso).
Y he de decir que, para aquellos que critican los blogs, para mí esta página tiene un valor añadido: me sirve de agenda y de guía. Muchos de los enlaces que pongo me paso horas examinándolos, y muchas de las películas que mencionáis me las apunto para verlas en cuanto pueda. La verdad, prefiero dedicar mi tiempo libre a escribir sobre cine que a divagar o ver la televisión.
¡Es mucho más gratificante!

El fraude Dogma

2004-03-31T06:05:00.000+02:00

Hace unos días vi Celebración, de Thomas Vinterberger, y me pareció un horror, más que por la historia (tan tremebunda que consigue un efecto cómico involuntario), por la manera en que está filmada. Y es que resulta que esta peliculita forma parte del movimiento Dogma. Una de esas modas pasajeras, que ahora que está a punto de extinguirse, voy a analizar con calma y con muy poca piedad, todo sea dicho. La iniciativa partió del infame Lars von Trier y algunos otros directores daneses, que hicieron un decálogo que pretendía "despojar de artificio el cine". Traducido a la lengua castellana: saltarse sus reglas a la torera y haciéndolo triplemente artificioso, y por ende, más fácil. Siguiendo el decálogo Dogma, cualquier inepto puede dirigir una película, puesto que no ha de preocuparse de los siguientes elementos: decorados, planificación, storyboard, fotografía, banda sonora, efectos especiales, montaje. Me parece muy bien como divertimento, o como experimento (aunque cosas similares ya las hicieron los hermanos Lumiére), pero, sencillamente, hacer pasar el Dogma por cine, y encima pretendiendo que son los demás quienes no lo hacen, es una de las tomaduras de pelo más gigantescas que he visto en éste o en cualquier arte.

Addenda: Mientras caliento motores para La Pasión de Cristo (película que espero con ansia feroz), os recomiendo que leáis las estupendas críticas a Hermano Oso y Peter Pan que han hecho mis (más puntuales que yo) colegas de fandecomix Maria S. Bermejo y Raquel Laser.

Máquinas de matar

2004-03-30T14:23:00.000+02:00

Efectivamente: estos días lluviosos he decidido ponerme esta película lluviosa y oscura, que he visto en tres tercios durante tres días, paladeándola tranquilamente. Y creo que prefiero el montaje nuevo, a sabiendas de que hay más de dos. La voz en off me irritaba un poco, siempre he creído que las imágenes han de estar por encima de las palabras, y el final es decididamente mejor. Lo que pasa es que, a pesar del dichoso unicornio, la película, con sólo estos pequeños cambios, se decanta muy claramente hacia otro lado, y no creo que sea el que se postula. En la versión nueva, Deckard es mucho más inhumano que los replicantes: no se arrepiente de matar a dos de ellos (mujeres), por la espalda, y cuando se enfrenta a los hombres es cobarde o traicionero. Roy Batty es decididamente superior, no sólo a los ingenieros genéticos que lo diseñaron, sino a la humanidad que está en el exilio espacial, y desde luego, a Rick Deckard, que, al quitarle la voz en off, lo convierten en una máquina despersonalizada, al igual que sus superiores y ex compañeros de policía. Es decir, que confirma mi vieja suposición de que Deckard no es un replicante, sino un miserable ser humano.

No es un adiós

2004-03-29T14:52:00.000+02:00

Hoy, en su casa de Ginebra, ha muerto el gran Peter Ustinov. Uno de los grandes, de eso no hay duda alguna. Su primer gran papel fue el de Nerón en Quo Vadis, y ya se hizo célebre para siempre. De perfecto acento londinense, con tendencia a la ironía y el sarcasmo, su carrera en el cine duró 60 años y tuvo muchos puntos culminantes. Para mí, siempre estará asociado a Léntulo Batiato, el lanista de Capua en Espartaco. Es memorable su papel en la divertidísima Topkapi, donde casi hacía de sí mismo, un inglés cosmopolita y socarrón. Y también es el inigualable Hércules Poirot de Muerte en el Nilo, papel que repetiría en seis películas más. Una carrera envidiable para un actor que jamás se distinguió por su afán de protagonismo ni su conflicitividad, que daba la impresión de mirar la vida y el mundo con una saludable distancia, y con una cultura impresionante, que le dio para escribir varias novelas y guiones él solito, y ser nombrado para muchos cargos honorables. No es un adiós, maestro. Es un hasta luego.

Un mundo extraño

2004-03-28T07:19:00.000+02:00

En 1990, Telecinco emitió Twin Peaks, la serie de televisión creada a la par por David Lynch y Mark Frost. Es interesante decir esto porque parece que nadie recuerda que muchos de los hallazgos de esta inimitable (pero muy imitada) serie no pertenecen a Lynch. En todo caso, sus creadores nos engañaron a todos, porque lo de menos en esta serie no era quién mató a Laura Palmer, sino quién era Laura Palmer en realidad, y eso sólo en la primera parte. A partir del descubrimiento del asesino (no es que no quiera desvelarlo, es que no sé quién es realmente), la serie tomó otro giro, mal comprendido, hacia el ocultismo y el fantástico más turbio: descubrimos que el agente Cooper no está inmaculado, y que tiene su némesis en el peligroso Windom Earle, entre otras cosas. De todos modos, recapitulando un poco, la verdadera protagonista de Twin Peaks es la gran ausente: Laura Palmer. Entre donuts y cafés, entre los chistes de la comisaría, la comedia y el serial, vamos descubriendo que había dos Lauras. Una de día, angelical, buena estudiante, que ayuda a la comunidad y reparte comida a domicilio; y una de noche, demoníaca, depravada, prostituta y drogadicta, que no duda en utilizar y despreciar a los hombres a su antojo. Resulta curioso que sean los hombres, para los cuáles la chica era sólo un objeto sexual, quienes acaben destrozando la vida de Laura Palmer, de la manera más sucia y brutal. Ese conflicto entre el bien y el mal es el eje de toda la serie y conecta perfectamente con el resto de la filmografía de Lynch. Lo que resulta difícil de entender es cómo es posible que el agente Cooper idealice tanto a un pueblucho que está podrido en sus entrañas: no hay nadie, absolutamente nadie, que esté limpio en este pequeño pueblo de montaña. Hay imágenes recurrentes que, más allá de simbolismos, fascinan sólo por cómo se muestran: los búhos, el semáforo agitándose en la noche, el bosque meciéndose al viento, la cascada, todo ello a los acordes de la genial música de Angelo Badalamenti. Y hay secuencias enteras (la del sueño con el enano), que aunque resulten casi incomprensibles están preñadas de una extraña belleza, que a la postre impregna toda la serie. A partir de la segunda temporada, que, insisto, tiene mucho interés, la audiencia empezó a perderse y la serie quedó colgada con un capítulo final, dirigido milimétricamente por David Lynch, que es tan enigmático como terrorífico. La gente esperaba que el enigma se resolviera en la película que se anunció, pero en lugar de eso, Lynch y Frost decidieron ofrecer con Fire Walk with me una precuela, más siniestra y menos simpática que la serie, que contara los últimos días de Laura Palmer, lo que supuso un descomunal fracaso de crítica y público. Es una película inferior a lo visto en televisión, porque no hacía falta mostrar lo que ya estaba sugerido, pero merece una cierta atención. Twin Peaks es una serie de televisión irrepetible, que los fans siguen analizando en busca de soluciones a los mil símbolos y misterios que plantea, y que incluso tiene una revista que se dedica a ella, Wrapped in Plastic. Si estáis interesados en profundizar en el tema, pinchad en los enlaces que están subrayados y seguid vosotros mismos la pista que el Agente Cooper no acabó de encontrar en un pueblo envuelto en belleza y tragedia.

Los trailers

2004-03-26T20:06:00.000+01:00

Me he animado a escribir sobre esto a raíz de algunos de los comentarios que han ido surgiendo. El mundo de los trailers tiene su gracia. Son como los spots de TV, pero para anunciar películas. Teniendo en cuenta que hay gente que decide si va a ver un film o no según el trailer, la cosa cada vez se cuida más. De hecho, hacer un trailer no es fácil: es una labor de montaje extraordinaria, porque se trata de seleccionar, de todo el metraje, aquello que pueda llamar más la atención, sin desvelar puntos importantes de la trama. Bueno, esta es la regla, porque hay trailers que te cuentan toda la película, con lo cual no tiene sentido ya ir a verla. En mi opinión, un buen trailer y una buena película no son cosas necesariamente unidas. Uno de los mejores trailers que he visto últimamente es el de la película Atlantis, de Disney, y el film es un poco decepcionante. El trailer de Eyes Wide Shut es engañoso: sólo muestra una escena que parece erótica, y fuera de contexto. El de El Club de la Lucha, que en realidad son varios, es tan provocativo como la propuesta de Fincher. Yendo atrás en el tiempo, recuerdo algunos trailers memorables: el de Dune era mejor que la película, porque salía todo lo atractivo y te evitaba las partes aburridas. El de Depredador era algo impresionante, pero la película estaba a la altura. Hoy, con los DVDs, uno puede ver los trailers de casi cualquier obra, incluidas las antiguas. A mí los que más me gustan son algunos de Hitchcock, en especial el de Psicosis, que es divertidísimo. Sale Sir Alfred dentro de la casa de Norman Bates enseñando cada habitación como si fuera un agente inmobiliario. Sencillamente magistral. Otro memorable es el de Espartaco, tan bien diseñado visualmente como la película en sí. En el Museo de Cine de Girona se pudo ver hace algún tiempo una exposición sobre el tema, donde se podían ver algunas de estas joyas. Pero yo insisto en que uno no debe dejarse llevar por la impresión que un trailer le cause, y más ahora, que se abusa mucho de eso. Ninguna película puede comprimirse en un par de minutos.

Este post tiene complementos para el fin de semana: en este enlace tenéis una crítica demoledora de la última tontería de Lars Von Trier.

Y por último comentar que por obra y gracia de la distribución española, esta semana se estrenan, con varios meses de retraso,y a la vez, Hermano Oso y Peter Pan. Esto a los de Cinequanon no les pasa, no. A ver si encuentro tiempo para verlas y comentarlas.

Historia de un formato

2004-03-25T01:30:00.000+01:00

Lo reconozco, soy un nostálgico. El otro día vi un episodio de Cowboy Bebop donde salía un anticuario de aparatos electrónicos, videos VHS y Beta. En efecto, el DVD parece que por fin va a enterrar al VHS, pero aún se venden películas de video, y se graba en ellas. Es admirable que el formato VHS haya durado tanto. Fue inventado por JVC en 1976, al igual que el sistema Beta de Sony, que era técnicamente muy superior. En 1981 Phillips inventó el sistema 2000, y se produjo una batalla de formatos en que, por su facilidad de grabación, triunfó el VHS (un duro revés para Sony, que invirtió mucho en Betamax) y se convirtió en el formato predominante. A principios de los 80, las películas se alquilaban solamente, no se compraban. Se creó la cultura del videoclub. Cuando se anunció la venta directa (recuerdo los primeros títulos de Warner Home Video), todos alucinamos. A finales de los 80, y sobretodo en los 90, la venta directa de videos era ya masiva. Entonces llegó el laser-disc, inventado por Phillips, y por un tiempo el VHS temblequeó: y, de hecho, hay ediciones en Laser Disc que no tienen paralelo en ningún otro formato. Sin embargo, el alto precio del formato y lo poco manejable que era precipitaron su caída: hoy en día es objeto de coleccionismo. El VHS había resistido el primer ataque serio, mientras los vinilos caían ante la pujanza del CD (inventado a la par por Sony y Phillips, siempre a la vanguardia). Salieron ediciones en VHS espectaculares, en V.O., incluso con algunos pequeños extras. En 1997, un nuevo estándar diseñado por común acuerdo entre las distintas compañías fue presentado en sociedad: el disco digital versátil o DVD. Durante un tiempo, el video resistió el ataque, pero con la entrada del nuevo siglo la batalla estaba saldada: el DVD tenía compatibilidad de tamaño con el CD, ofrecía una calidad de imagen y una capacidad de almacenaje muy superiores, lo que permite ver extras y diferentes idiomas con subtítulos. Hoy en día, el VHS aún resiste, débilmente, como una pequeña aldea gala, la invasión del DVD, pero todo indica que en pocos años será un formato extinto. Sin embargo, es el formato que me introdujo, en gran medida, al amor por el cine, y ha conseguido llegar a casi 30 años de vida, lo que no es poco mérito. Se merece un digno homenaje.

Director´s Cut

2004-03-22T03:30:00.000+01:00

En mi comentario sobre los Oscars, afirmé que darle la estatuilla a El Retorno del Rey por su montaje es una cuestión controvertida. Es hora de aclarar por qué dije eso, que hago extensivo a toda la saga de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Vaya por adelantado que soy un firme defensor de estas películas, pero más por cuestiones cinematográficas que literarias. Es decir, una cosa es el universo de J.R.R. Tolkien, que es literalmente inadaptable, y otra cosa es esta trilogía, que brilla por sus valores propios. Pero hay algún pequeño problema, y es el tema de las versiones de cine y las versiones extendidas. En varias entrevistas, Peter Jackson declara que para él, las versiones definitivas son las que se estrenan en las salas, cosa con la que, personalmente, estoy completamente de acuerdo, por dos motivos. El primero es el tempo cinematográfico, que se quiebra en las versiones extendidas, y no sólo por motivos de longitud, sino de planificación y ritmo. El segundo es que ni siquiera las versiones extendidas cuentan todo lo que narra Tolkien: no sale Tom Bombadil, no salen las quebradas de los Túmulos, ni la voz de Saruman, el concilio de Elrond sale mutilado, no hay mención a las Ents-mujeres, no se explica la historia del Palantir. Es más: Ralph Bakshi, en su menospreciada versión animada, consigue explicar en dos horas, sin omisiones mayores, lo mismo que Peter Jackson en seis. Aún así, no mencionaría todo esto si no hubiera aguas turbias de por medio: es decir, hay cosas en las versiones cinematográficas que no se entienden del todo sin haber visto las extendidas. No es un descuido del astuto señor Jackson, ni mucho menos de la productora New Line: hay que fijarse en la brutal campaña de publicidad que hacen para las ventas en DVD (y video, que aún resiste) de las versiones normales, y la muy escasa para las extendidas. Pero en el DVD normalito sale una presentación de la versión extendida, con una finalidad muy concreta, que no es otra que llenarse la saca. Ya lo dice la canción: there´s no business like show business.

Películas que he visto

2004-03-19T01:23:00.000+01:00

No sé que haría sin el video, el DVD y la televisión. Me permiten descubrir siempre material nuevo, en esto del cine uno no termina nunca de aprender, y recientemente he visto tres películas que me han impactado por distintos motivos.
La primera de ellas es El rey de la comedia, una de las películas menos apreciadas de Scorsese. Yo la encuentro magnífica, la pesqué de oferta en el FNAC, (aunque aún no sé si me han colado un doblaje nuevo o no), y no lo pensé dos veces. Si bien estaba en la sección de comedia, tiene mucho más de amargo drama que de otra cosa. Robert de Niro está espléndido como aspirante a showman, y Jerry Lewis muestra una faceta desconocida como showman renombrado que desprecia al novato con talento. Es una muestra del mejor Scorsese, y está a años luz de las últimas tres o cuatro películas que ha hecho.
La segunda es El adversario, de la francesa Nicole Garcia, que cuenta la historia real de un pobre hombre sin trabajo (magistral Daniel Auteil) que se hace pasar por médico de la OMS ante su familia y amigos, durante ¡quince años! Cuando al fin empieza a desvelarse la verdad, se abren las puertas de la tragedia. Lo más escalofriante es que está basada punto por punto en un caso real, del que se hizo una novela de Emanuelle Carriére, y otras dos películas que yo sepa. He oído que El empleo del tiempo, basada en el mismo caso, es incluso mejor, pero a falta de haberla visto, la gélida minuciosidad de esta película me ha impresionado mucho.
La tercera es Los verdugos también mueren, de Fritz Lang, que puso el Garci el lunes en su programa. Una película que desconocía completamente y que es una obra maestra como la copa de un pino. Pero para leer una buena reseña de esta joya, os remito a J.P. Bango, que en su Cronicón Cinéfilo hace mención al descubrimiento con más ingenio del que yo podría aportar.
Ah! Qué bonito es encontrar siempre nuevas obras de arte. Soy de los pocos que se alegran de ignorar cosas, más que de conocerlas. Así siempre te llevas sorpresas.

Sinfonía de la vida

2004-03-17T01:55:00.000+01:00

La música clásica y el cine tienen y han tenido unas relaciones muy fluidas. No olvidemos que en el cine mudo la música la ponía una orquesta o un pianista en las salas, de forma muy similar a lo que se hace en la ópera. Pero, por una vez, dejemos lo clásico para la música y hablemos de películas más bien modernas.
No cabe duda de que la película que más ha contribuido a la popularización de la música culta ha sido y es Amadeus, de Milos Forman. A esta película le pasó algo curioso: poco después de ganar los Oscars decayó en prestigio y sólo reciente y merecidamente lo ha recuperado. Es el mejor biopic de un compositor que he visto en la gran pantalla: a los que odien a Tom Hulce y sus risitas, les recomiendo la versión original (hace poco ha salido en DVD). Amadeus (basada en la obra de Peter Schaeffer) es, además de un retrato de Mozart, una original disertación sobre la naturaleza del genio y del fracaso: el verdadero protagonista de esta magnífica película es Salieri (el papel por antonomasia de F. Murray Abraham), cuyo amor por la música no se ve recompensado por el don que sí se le da al aparentemente frívolo Mozart.
Ken Russell hizo algo parecido algunos años antes con Tchaikovski en La pasión de vivir, una película irregular pero en la que las virtudes compensan de sobra los defectos. Richard Chamberlain hace con mucha convicción el papel del atormentado compositor que tuvo múltiples problemas con su condición de homosexual, con la aceptación de su obra, con sus protectoras, y finalmente con el cólera que lo llevó prematuramente a la tumba. Una película filmada con una cierta tosquedad que curiosamente se ajusta muy bien al tono crudo con que aborda el tema.
Shine, de Scott Hicks, me parece una película muy digna sobre la extraña vida del pianista David Helfgott, un prometedor niño prodigio al que la esquizofrenia, propiciada por circunstancias familiares adversas, golpea justo cuando estaba a punto de llegar a la cima. Lo más destacable de esta película son las descomunales actuaciones de Geoffrey Rush como David y de Armin Mueller-Stahl como tiránico padre. La difícil música de Rachmaninoff tiene un papel destacado, y para los nostálgicos, es una de las últimas películas en que el gigantesco John Gielgud aparece, como maestro de David en Londres.
Hay otras maneras de abordar el tema de la música clásica. Una de las más originales es la que Walt Disney afrontó con Fantasía, una de sus películas más ambiciosas, donde daba varias interpretaciones animadas de piezas bastante conocidas y bien seleccionadas. El resultado es, por supuesto, irregular, pero el conjunto alcanza la grandeza. Yo me quedo con una imagen que ha pasado a la historia: Mickey dándole la mano al director Leopold Stokowski, en un alarde de postmodernidad e iconoclastia. La cosa continuó hace no mucho con Fantasía 2000, algo menos afortunada, en principio programada para cines Imax, en la que destaca con luz propia el segmento basado en "Rhapsody in Blue" sobre dibujos de Al Hirschfeld.
Mención aparte merece Stanley Kubrick, que, sobretodo a partir de 2001, ejerció un papel de selección de la música clásica en sus películas que alcanza la perfección. Su conocimiento del tema es asombroso, dando a conocer compositores tan poco conocidos como Gyorgy Ligeti, y haciendo una comunión entre música e imagen nunca vista antes ni después. En este sentido, es significativa la anécdota de que en A.I, Kubrick quería que se pusiese un fragmento de "El caballero de la Rosa" de Richard Strauss, pero que no aclaró dónde. John Williams lo colocó en la entrada de Rouge City, con esos peces boca por donde entran los vehículos, cosa que no le quedó nada mal.
No podía dejar de mencionar El Pianista, una de las obras más redondas de Roman Polanski, donde Adrien Brody interpreta con sobriedad a un concertista judío que es testigo de la barbarie nazi, a la que opone la divina música de Chopin para amansar a las fieras. Una película tristísima, donde sólo la casualidad marca la frontera entre la vida y la muerte más atroz, pero con un toque final de belleza melancólica.
Dejo para el final mi película favorita sobre el tema, Sinfonía en soledad, de François Girard, una colección de 32 cortometrajes ligados entre sí sobre la excéntrica vida del que probablemente fue el mejor pianista del siglo XX, Glenn Gould (encarnado por un exultante Colm Feore), fanático de Bach hasta el extremo. Los cortos comentan diferentes puntos de vista sobre Gould, como su afición a invertir en bolsa, su adicción a todo tipo de medicamentos, su obsesión por el Norte, o su misantropía. Incluso hay un abstracto corto de animación de Norman McLaren, y tres momentos memorables: cuando firma su último autógrafo, anunciando su retirada de los conciertos; el testimonio verídico de Yehudi Menuhin afirmando que se sentía inferior a él porque prefería vivir la vida; y el momento final en que se ve el lanzamiento del cohete que lleva la música de Glenn Gould a las estrellas, grabada en la sonda Voyager. Una lástima que esta película fuera tan mal distribuida.

Fetichismos

2004-03-15T02:20:00.000+01:00

Dios mío, esta mujer me encanta. Es Marg Helgenberger, que hace de Catherine Willows en la serie CSI Las Vegas, una de mis favoritas en la televisión.
El episodio de hoy está centrado en ella, de ahí el tema del post, pero supongo que es una excusa para expresar mi adoración por esta estupenda actriz y no menos estupenda mujer. Me encandila su aire de madurez, de sabiduría y fragilidad al mismo tiempo, sus ojos expresivos, su serena expresión. Exhalo un suspiro al escribir estas cosas.
Últimamente Blogger y Haloscan me están dando muchos problemas de acceso a mi página. Espero que pronto el tráfico en Internet, lógicamente multiplicado, empiece a normalizarse.

El precio del poder

2004-03-14T15:39:00.000+01:00

Hoy, tras unos días y acontecimientos nefastos que deberían invitar, más que nada, a la reflexión serena, es día de elecciones. Me parece oportuno recordar tres películas que tienen que ver con el tema, y que por distintas razones considero excelentes. En El Político, de Robert Rossen, Broderick Crawford encarna a un hombre honrado que a medida que consigue el poder crece en corrupción y maldad. Un león en las calles, de Raoul Walsh, muestra al siempre fantástico James Cagney como un hombre que no tiene escrúpulos a la hora de manipular a quien sea para llegar hasta arriba. Y en La zona muerta, de David Cronemberg, basada en la novela de Stephen King, Christopher Walken interpreta a un hombre con poderes visionarios que es el único que sabe que un aspirante a presidente tiene planes malignos para el país. Las tres películas que menciono tienen bastantes puntos en común, y por supuesto, no desvelo el desenlace de ninguna de ellas. Espero que nadie interprete esto como un comentario de la actualidad, pues siempre he encontrado que la alegoría es un género de expresión muy pobre.

La venganza de la novia

2004-03-10T15:50:00.000+01:00

No podía ser de otro modo. Quentin Tarantino se ha superado a sí mismo con Kill Bill. Más allá de referencias cinéfilas, Kill Bill Vol. 1 es una película profundamente original, y además coherente en extremo con el resto de su filmografía. Como es usual en Tarantino, es una película que gustará a muchos y disgustará a otros tantos, entre ellos los críticos de festival, que le reprochan que no tiene argumento, como si la venganza no fuera uno de los más antiguos. Kill Bill es un paso adelante en el dominio del montaje, diabólicamente dinámico, al compás de canciones tan originales como potentes. Tarantino juega como le da la gana con la estructura temporal, con la verosimilitud de las situaciones, y con la complicidad del público.
No voy a desvelar ningún punto esencial de la trama, por respeto a aquellos que no la hayan visto aún, pero sí señalaré algunos de los elementos que más me han llamado la atención de esta deliciosa película: las dos citas a Star Trek, el segmento de anime (tan impactante como virtuoso), los sonidos que apagan el nombre real de la novia cada vez que se menciona, el despertar del coma en el hospital, los diálogos entre la novia y el hombre de Okinawa, el combate entre Uma Thurman y sus enemigos con las luces apagadas y fondo azul (por elegir uno, todas las luchas son impresionantes), los viajes en avión resueltos como los de Indiana Jones a velocidad de hiperespacio, y, por supuesto, el desenlace de esta primera parte, que te deja con unas ganas enormes de que llegue ya la segunda.
Algunas situaciones pueden parecerles excesivas a ciertos espectadores. En ese sentido, como ya hizo en Pulp Fiction, Tarantino no engaña en Kill Bill: la película es un exceso de principio a fin. Es un delirio visual que remite a los juegos de feria: en ese sentido, la cuarta película de Quentin Tarantino es la suma y superación respetuosa de todo el cine oriental de entretenimiento, su síntesis máxima y más brillante.

Nervios, excitación, suspense!

2004-03-09T13:07:00.000+01:00

Desligado de ciertas obligaciones, esta noche voy a verme Kill Bill Vol. l, y los que me conocen saben que es la película que más he esperado en los últimos dos años. Dios mío, ¿cumplirá mis expectativas? ¿será tan buena como quiero que sea? ¿Tarantino se supera a sí mismo? Los nervios me carcomen. Mañana, por supuesto, la crónica de tan magno acontecimiento. Stay Tuned.

Cine en televisión

2004-03-07T17:48:00.000+01:00

La verdad es que el tratamiento que dan las diferentes cadenas de televisión al cine es, desde hace ya muchos años, vergonzoso. Naturalmente, no hablo de plataformas de pago, sino de las televisiones generalistas, por la sencilla razón de que es indignante que nos hagan pagar por ver los contenidos que deberíamos ver en otras cadenas que financiamos con nuestros impuestos. El caso es que hay una serie de películas que, por razones incomprensibles, se emiten infinidad de veces, y otras que hace décadas que no aparecen en ninguna cadena. Por poner un ejemplo sencillo: he visto emitida más de doce veces El Extraño de Orson Welles (por lo demás, un gran film), y nunca El Proceso, por poner dos obras del mismo director. En esto, naturalmente, hay responsables, de los que no diré los nombres, que hacen programas de cine para su gusto particular sin tener en cuenta las demandas del público. ¿Cómo se explica que los DVDs de Chaplin se estén vendiendo tanto? Pues porque no emiten películas suyas en televisión. Ni de Chaplin, ni de Von Stroheim, ni de Eisenstein, ni de Satyajit Ray, ni de William Wellman. Si nos ceñimos al cine moderno, ¿alguien ha visto alguna película de Michael Haneke en alguna televisión? ¿Cuántas de Atom Egoyan? ¿Y de Godard? Y no hablemos ya de determinados géneros, como el fantástico o el cine negro.
Así, de memoria, se me ocurren, sin mucho esfuerzo, películas fundamentales que hace más de una década que no veo en ninguna televisión de esas que cuidan el "interés general": El hombre menguante, El maquinista de la General, Ivan el Terrible, Naves Misteriosas, Drácula (la de Terence Fisher), El enemigo público número uno, Stalker, La naranja mecánica, Plumas de Caballo, Sólo se vive una vez, El ángel azul, Perdición, El enigma de otro mundo, Videodrome, Shoah, Cielo amarillo, Ultimátum a la tierra, Impulso Criminal, Érase una vez en América, ¿Qué fue de Baby Jane?, El Cardenal, La huella... en fin, voy a dejarlo. Casi va a ser mejor.

Historias Verdaderas

2004-03-05T21:26:00.000+01:00

Hay vida en el cine más allá de Quentin Tarantino y Tim Burton. Quien quiera ver películas honestas, emocionantes, y alternativas a los grandes megaestrenos, tiene tres opciones, aunque tendrá que ser hábil y rápido, pues estos filmes son de los que duran poquito en cartelera. La primera es Todo o nada, de Mike Leigh, un impresionante melodrama sobre las dificultades de un matrimonio obrero ingles. Luego tenemos Vías Cruzadas, de Tom McCarthy, que cuenta la curiosa amistad entre un enano que ama los trenes, una pintora y un vendedor de perritos calientes. Y si la suerte acompaña, la semana que viene se estrena Memories of Murder, de Joon-ho Bong, que sigue la búsqueda detectivesca de un asesino en serie coreano, y que está basada en hechos reales. Un cine alternativo que realmente vale la pena.

El hombre del mañana

2004-03-04T13:57:00.000+01:00

En 1978, Richard Donner estrenó Superman, probablemente la mejor película sobre un héroe de tebeos hecha hasta el momento. El tiempo no ha conseguido borrar el sentido de maravilla y grandeza que esta película transmite de principio a fin. El comienzo es muy nostálgico: vemos las portadas de los viejos comics de Joe Schuster y Jerry Siegel, y enseguida nos trasladamos a Krypton, donde todo es grandioso, incluido un Marlon Brando que ya cobraba los minutos por millones. Cuando el planeta colapsa, una nave en forma de estrella envia al bebé Kal-El al espacio, con rumbo a la Tierra. En el viaje, su padre le instruye subliminalmente sobre su destino. A su llegada a la Tierra, es recogido por los Kent (inmenso Glenn Ford), que cuidan con cariño a Clark hasta su adolescencia de inadaptado en una pequeña villa de campo. Finalmente, un cambio en su vida hace que construya su fortaleza de hielo y parta hacia Metrópolis. Esta primera parte de la película es virtualmente perfecta: mezcla la nostalgia, la espectacularidad y la belleza, a los acordes del genial John Williams. A partir de la llegada de Superman (ya con el indisociable rostro de Christopher Reeve) a Metrópolis, la película decae un poquito: Gene Hackman compone un Luthor demasiado bufonesco, y los personajes del Daily Planet no tienen el carisma de las dos familias que tuvo en el pasado. Pero Margot Kidder está encantadora como Lois Lane, y la parte de Metrópolis también está perlada de buen hacer. Destacaría el primer rescate en un edificio, con helicóptero incluido; el vuelo de Superman con Lois (y es que aún hoy esos artesanales efectos de vuelo con pantalla azul lucen muy bien); y, muy especialmente, el impresionante clímax final, donde el superhéroe salva al mundo del desastre que Luthor provoca mediante una solución tan ingeniosa como desesperada.
Naturalmente, la cosa no acabó ahí. Hubo varias secuelas: Superman II, también de Donner, es una muy digna continuación, la III aún tiene una (escasa) gracia, y la cuarta es directamente olvidable. La franquicia se extendió a la televisión con éxito, con varias series de dibujos animados y algunas de acción real, de las que me gustaría destacar dos: Lois y Clark es una serie centrada en la relación romántica de la pareja, y la reciente y muy imaginativa Smallville reinventa y actualiza el pasado adolescente y rural de Clark Kent, haciendo de Luthor su mejor amigo, condenado al odio tarde o temprano: una arriesgada pero atractiva pirueta argumental.

That´s Entertainment!

2004-03-02T20:22:00.000+01:00

Sobre la Gala de los Oscars no tengo mucho que decir, fue como tantas otras, aunque hay que reconocer que Billy Crystal estuvo más agudo de lo que esperaba, y que el discurso de Tim Robbins fue tan conciso como incisivo. Pero lo que verdaderamente me gusta de estas galas son los montajes visuales de homenaje al cine clásico, que una vez más fueron brillantes, muy centrados en grandes estrellas que nos abandonaron en el 2003. Tom Hanks presentó el tributo a Bob Hope, un actor muy poco conocido aquí, que aunque hizo películas más bien modestas (Camino a río con Bing Crosby), era un cómico extraordinario y presentó la misma Gala innumerables veces.
Jim Carrey presentó el premio honorífico a Blake Edwards, que hizo un poco el payaso, pero luego dio un emotivo discurso (ese pequeño hombre limpiando la mierda del elefante mientras cantaba "there´s no business like show business!"). El director de Días de Vino y Rosas, La Pantera Rosa, Desayuno con Diamantes, El Guateque, y Victor o Victoria bien se merece ese premio a una carrera indiscutiblemente gloriosa.
Julia Roberts presentó el homenaje a Katherine Hepburn, y salieron imágenes de algunas de sus muchas películas sobresalientes: Historias de Filadelfia, La fiera de mi niña, La costilla de Adán, La reina de África, El León en Invierno, De repente el último verano, En el estanque dorado. ¡Qué gran mujer y qué gran carácter!
El Presidente de la Academia, Frank Pierson, presentó un sentido montaje dedicado a Gregory Peck (Matar a un Ruiseñor, Recuerda, Moby Dick, El hidalgo de los mares y tantas, tantas otras), para seguir con el obituario del 2003, donde se pudieron ver, a los acordes de la banda sonora de Miklos Rozsa para El Ladrón de Bagdad, los rostros de Charles Bronson (Los siete magníficos), Elia Kazan (La ley del silencio), Leni Riefenstahl (Olimpia), Jonn Schlesinger (Marathon Man), John Ritter (Nickelodeon), Hume Cronyn (La sombra de una duda), Michael Kamen (el músico de Robin Hood), Robert Stack (Los Intocables), Jack Elam (innumerables westerns), y Donald O´Connor (Cantando bajo la lluvia), entre muchos otros que desconocía: me queda mucho por aprender.
Estos montajes son un puente entre el cine de hoy y el cine del cuál nació y con el que todos crecieron, entre lo viejo y lo nuevo, y transmiten la impresión de que el arte de fabricar sueños sigue dando sus pasos hacia el futuro sin olvidar su gloriosa tradición del pasado.

El Señor de las Estatuillas

2004-03-01T18:27:00.000+01:00

Nadie imaginaría que el director de Bad Taste conseguiría un día once oscars por una trilogía de películas de género fantástico que adaptan la novela más conocida de J.R.R. Tolkien. El retorno del rey se llevó ayer la suma de premios que se merecen las tres, pero hay que apuntar el valor de la Academia al hacer que un film de fantasía iguale el histórico record de Titanic y Ben-Hur, ganando en las once categorías a que estaba nominada. Son los Oscars más acertados que he visto en muchos años. Aún así, ha habido alguna que otra "injusticia", fruto del legendario conservadurismo de la Academia. Sea como sea, aquí va el palmarés final:

Mejor Película: El Retorno del Rey
Comentario: Merecido

Mejor Director: Peter Jackson
Comentario: Merecido

Mejor Actor: Sean Penn
Comentario: Merecido hasta cierto punto.

Mejor Actriz: Charlize Theron
Comentario: Merecido

Actor Secundario: Tim Robbins
Comentario: Merecido

Actriz Secundaria: Renée Zellweger
Comentario: Inmerecido, sobreactúa claramente.

Película de Habla no Inglesa: Las Invasiones Bárbaras
Comentario: Inmerecido, es una pretenciosidad sin contenido.

El resto de Premios se repartieron de este modo:

Guión original: Lost in translation (Merecido)
Guión adaptado: El Retorno del Rey (Inmerecido, es una adaptación muy libre)
Pelicula animada: Buscando a Nemo (Merecido y esperado)
Fotografía: Master and Commander (Inmerecido, estando nominada cierta película brasileña)
Montaje: El retorno del rey (Inmerecido, por muchas razones que no vienen al caso)
Banda sonora original: El retorno del rey (Merecido)
Canción original: El retorno del rey (Merecido)
Efectos visuales: El retorno del rey (Indiscutiblemente merecido)
Dirección artística: El retorno del rey (Merecido)
Diseño de vestuario: El retorno del rey (Merecido)
Maquillaje: El retorno del rey (Merecido)
Montaje de sonido: Master and Commander (Merecido)
Sonido: El retorno del rey (Merecido)
Corto animado: Harvie Krumpet (el error más grave de todos)
Documental largo: The Fogs of War (Esperado pero inmerecido)

Documental Corto: Chernobyl Heart
Cortometraje: Two Soldiers

Premio Honorífico a toda una carrera: Blake Edwards (Más merecido imposible)

En general, mis criterios coinciden bastante con los de la Academia, pero hay tres cosas en particular que me gustaría señalar. 1) Ciudad de Dios no se llevó ningún Oscar, siendo como es un trallazo de película. 2) Destino de Disney-Dalí, incomprensiblemente, no se llevó el premio al mejor corto animado, y hubiera sido muy emocionante ver a Roy Disney recoger el Premio que merecía, 3) Premiar el montaje y el guión adaptado del Señor de los Anillos es algo, como mínimo, peliagudo.

I am back

2004-02-25T07:51:00.000+01:00

He vuelto!

Tras las correspondientes (y onerosas) reparaciones, estoy otra vez al mando de la nave, ¡y a punto para los Oscars! No dudéis que haré una cobertura exclusiva, con el palmarés completo, mi reportaje sobre el evento y mis opiniones sobre los premios. Mientras tanto, os invito a ver Monster, por la que Charlize Theron está nominada, una triste historia de una psicópata menos por nacimiento que por convicción y odio al sexo masculino. La actuación de Theron es muy convincente, mucho más que la de su compañera de reparto, Christina Ricci, que simplemente está correcta.

Welcome Back!

Ecce Homo

2004-02-25T04:11:00.000+01:00

Este fin de semana se estrena The Passion of the Christ de Mel Gibson en Estados Unidos. Mi gran curiosidad por esta película se está viendo más y más estimulada por las reseñas que salen en AICN y, en especial, por la de Roger Ebert, uno de los mejores críticos de cine norteamericanos, que le da la máxima calificación, no sin decir que "es la película más violenta que he visto nunca". Desde luego, no está causando indiferencia. No puedo dejar de señalar, sin embargo, que la inmensa mayoría de las voces que han hablado de la película de Gibson lo han hecho en función de las ideas que se supone que defiende, en lugar de juzgarla estrictamente por sus valores cinematográficos. Este es un vicio muy enraizado en la profesión crítica, y que ha llevado a considerables errores de juicio que sólo el tiempo ha sabido corregir. Los años han puesto en el sitio que se merecen a Leni Riefenstahl, a Elia Kazan y a S.M. Eisenstein, por poner tres ejemplos enormemente significativos.

El divino gordito

2004-02-24T00:20:00.000+01:00

Ha salido en los quioscos una colección de Hitchcock en DVD. La misma que hace unos años había salido en VHS, con gran éxito. La verdad es que no sé qué decir de Alfred Hitchcock, que no hayan dicho ya Donald Spoto, François Truffaut, Enrique Alberich y Guillermo del Toro en sus respectivos estudios, magníficos y exhaustivos. Lo único que puedo decir es que siento envidia por aquellos que vean sus películas por vez primera. Hoy en día parece inconcebible que en su momento Hitchcock no tuviera prestigio en el mundo crítico, que fuera considerado como un director entretenido, y poco más, hasta que Cahiers du Cinema le abrió los ojos al mundo. También me resulta fascinante el proyecto que tenía de una película sobre un ciego de nacimiento que recobra de repente la vista en Disneyworld. Y no dejo de recordar que fue sir Alfred quien le dijo a Larry Cohen lo difícil que sería llevar el guión de la espléndida Última Llamada al cine.
Un punto y aparte para la serie Alfred Hitchcock presenta, totalmente controlada por él, de la que dirigió sólo 18 de los 362 episodios (sí, han leído bien) que la componen. Sus presentaciones y despedidas, sus apuntes irónicos al entrar la publicidad, merecerían por sí solos una antología. En esos 18 episodios suyos, Hitchcock presenta su visión despiadada del Universo y su conocida misoginia, adaptando en algunos casos a Roald Dahl, y creando tensión en otros, con elementos mínimos (el episodio ¡Bang, estás muerto!, donde un niño confunde la pistola de su padre con la suya de juguete y entra en un supermercado). En la serie, el director inglés aprendió trucos de economía de medios que le serían muy útiles en Psicosis, hecha en el mismo blanco y negro de la serie. Por favor, olvídense de los remakes coloreados. Son casi un insulto al original.

Padres e hijos

2004-02-22T19:51:00.000+01:00

Camino a la perdición, la segunda película de Sam Mendes, es un modelo de perfección. Representa todo lo que yo creo que ha de ser el cine, y muestra una unidad prodigiosa entre lo que cuenta y el cómo lo cuenta, entre sus inolvidables imágenes y su intachable guión. Está muy lejos de ser una película más sobre la mafia, pero su historia es sencilla, lineal y sin complicaciones innecesarias. Un error conduce a una espiral de violencia que conduce a John Sullivan (un taciturno Tom Hanks) y su hijo a un solitario camino de venganza contra Connor Rooney y su padre, amigo y protector de los Sullivan. En el fondo, es la historia de dos padres y dos hijos que viven bajo un código de honor que está abocado a su destrucción, y de la búsqueda de la redención por los pecados.
Todo esto se cuenta en una hora y tres cuartos que no tienen desperdicio, en que las partes de transición están tan trabajadas como las brillantes set-pieces de que está sembrado el film: el duelo al piano entre John Rooney y Sullivan; el cobro del moroso que deviene señal de alarma; el asesino fotógrafo mata a una de sus víctimas en tres planos encadenados de alejamiento progresivo mientras pasa el tren; el hijo de Sullivan llorando en silencio entre la gente que lee periódicos en la estación; la secuencia prodigiosa de los robos a los bancos de Chicago, narrando tres situaciones (los atracos, la espera nerviosa del mercenario y el aprendizaje de la conducción del pequeño Sullivan) en movimiento continuo de izquierda a derecha mientras los planos se funden unos a otros; el inenarreble clímax sin fondo sonoro en la noche lluviosa; toda la calma transmitida por las escenas en la granja.
Memorables los actores, pero por encima de todos, la grandeza de Paul Newman, al que la edad ha ennoblecido como a los buenos vinos. Su personaje, en uno de los muchos diálogos brillantes de la película, dice "Un hombre de honor siempre paga sus deudas", resumiendo en una sola frase toda la historia. Incluso Connor Rooney, a priori un personaje despreciable, no deja de tener su oscura grandeza: "Todo es divertido de cojones", dice en un momento dado, y en otro momento dado, decide dar un paseo bajo una lluvia torrencial aduciendo que "hace una noche espléndida". La banda sonora es la mejor hasta la fecha de Thomas Newman, y la oscura fotografía es del gran veterano Conrad Hall. Una suma de talentos, como puede verse. Está basada en un comic de Max Allan Collins.

Mis Oscars favoritos

2004-02-21T21:57:00.000+01:00

Ya queda poquito para la ceremonia de los Oscars. El domingo que viene sabremos quiénes serán los ganadores de esta lista de nominados. Una de las más acertadas de los últimos años, lo que hace muy difícil una elección, que sin embargo es lo que voy a proponer aquí y ahora. Esto no es una quiniela, no son los Oscars que creo que van a ganar, sino los Oscars que quiero que ganen. Es decir, lo que yo votaría si fuera miembro de la Academia en cada categoría.

Mejor Película: El Retorno del Rey
Motivo: la trilogía entera lo merece, y es la mejor de las tres

Mejor Director: Peter Jackson
Motivo: ha salido airoso de una adaptación casi imposible

Mejor Actor: Bill Murray
Motivo: saber hacer reír y llorar sólo los muy grandes saben

Mejor Actriz: Charlize Theron
Motivo: su caracterización como psicópata lesbiana quita el hipo

Actor Secundario: Tim Robbins
Motivo: el mejor retrato de un alienado visto en años

Actriz Secundaria: Marcia Gay Harden
Motivo: borda el papel de esposa de un alienado

Película de Habla no Inglesa: Tasogari Seibei
Motivo: Una película de samurais que avergonzaría a Tom Cruise

Estos son los principales, ahora diré mis elecciones para las nominaciones que conozco de entre el resto:

Guión original: Lost in translation
Guión adaptado: Ciudad de Dios
Pelicula animada: Buscando a Nemo
Fotografía: Ciudad de Dios
Montaje: Ciudad de Dios
Banda sonora original: El retorno del rey
Canción original: El retorno del rey
Efectos visuales: El retorno del rey
Dirección artística: Master and Commander
Diseño de vestuario: El retorno del rey
Maquillaje: El retorno del rey
Montaje de sonido: Master and Commander
Sonido: El retorno del rey
Corto animado: Destino
Documental largo: Capturing the Friedmans

Me dejo las categorías de documental corto y corto en imagen real, porque desconozco las nominadas por completo.

Según mis votos, arrasaría el Señor de los Anillos con 8 oscars, Ciudad de Dios se llevaría 3, la gran perdedora sería Master and Commander con 2, Mystic River se llevaría las 2 estatuillas para sus actores secundarios, y Lost in Translation se llevaría 2 oscars más. Por supuesto, lo que resultará el domingo será completamente distinto (o no tanto). Dentro de una semana lo sabremos.

Compás de espera

2004-02-20T18:43:00.000+01:00

Mientras llega Kill Bill vol. 1 a nuestras salas, y visto el panorama, mi consejo es que si viven o están en Barcelona y quieren ver buen cine hay dos opciones atípicas pero muy estimulantes: puede uno acercarse a ver esta exposición y echarle un vistazo al corto animado Destino, la colaboración Dalí-Disney de un interés innegable y que aspira al Oscar en su categoría, o bien pueden acercarse a los cines Imax a ver Misterios del Titanic, un documental de James Cameron en 3D sobre las investigaciones submarinas de lo que queda del famoso buque. No vayan a aburrirse con Cold Mountain, que en la Berlinale son muy listos.

Pasen y vean II

2004-02-20T01:09:00.000+01:00

Los apasionados del cine tendemos a tener opiniones vehementes. Como yo no creo que la mía sea la única, ni la mejor, os invito a ver tres estupendos blogs de cine para contrastar los puntos de vista. En el blog Esa la he visto, Jose C. defiende una postura valientemente lúdica del cine en estos tiempos de "modernidaz". En El cronicón cinéfilo, J.P. Bango demuestra su amor por el cine clásico y la reflexión, acompañado todo ello de estupendas fotografías. Y Cinequanon es un blog escrito por un equipo de cinéfilos a los que no se les escapa prácticamente nada de lo que se proyecta. Adelante, que hay sitio para todos.

El misántropo

2004-02-19T14:33:00.000+01:00

Seguro que se acuerdan de Atraco Perfecto, uno de cuyos muchos aciertos eran sus cortantes diálogos. Esa parte del guión le corresponde a Jim Thompson, quizás el escritor al que más le pega el género de "novela negra". En el espléndido documental que Jan Harlan hizo sobre Stanley Kubrick, se nos contaba que éste no era la persona huraña y antisocial que se rumoreaba. Es muy probable que así fuera, pero de lo que no tengo duda es de que la visión que Kubrick tenía del género humano era casi temible. Como prueba de ello, no hace mucho me he enterado de que la novela preferida de Kubrick era El asesino dentro de mí, de Jim Thompson (un libro que Luke Perry menciona en la gélida Normal Life, de John McNaughton). La novela cuenta la historia de un asesino en serie desde su punto de vista. Kubrick incluso tenía pensada una adaptación: y es que basta con ver Eyes Wide Shut, su testamento cinematográfico, para entender su visión amarga de la sociedad. A todo esto me pregunto: ¿cómo es posible que esta novela, ya clásica, no esté traducida al castellano?

Lost in Translation

2004-02-18T11:25:00.000+01:00

A veces la gran ciudad es como un enorme río humano. Y de vez en cuando se da el caso de que dos personas, con rumbos completamente distintos, coinciden. Y a veces, ese encuentro es algo especial. Si la ciudad es Tokyo, las personas mencionadas son un actor maduro y cínico, y una joven inquieta e insegura, tenemos el argumento de Lost in Translation, la segunda película de Sofia Coppola. Una comedia agridulce, que describe a la perfeccíón situaciones por las que todos hemos pasado. Pocas veces ha lucido Tokyo tan bonito y al mismo tiempo tan extraño. Del contraste entre Oriente y Occidente han salido películas notables en el campo de la acción: Yakuza, Black Rain, o Manhattan Sur. Pero muy rara vez una comedia romántica, si es que puede llamarse así. No tengo palabras para describir el trabajo de Bill Murray, magnífico, perfecto. Esperaba mucho de esta película y mis expectativas se han visto ampliamente superadas. Tómense esto como una recomendación.

El gran enigma

2004-02-17T23:13:00.000+01:00

La muerte del presidente J.F. Kennedy ha desatado muchos ríos de tinta. A las preguntas de quién cometió el magnicidio, y por qué, trata de responder Oliver Stone en la impactante película JFK. Ya Norman Mailer, que calificó el film como un brillante fracaso, señaló la exagerada tendencia de Stone de no exculpar a nadie, convirtiendo el asesinato en una conspiración de alucinante vastedad. Pero cinematográficamente hablando, la película es excelente, y tiene la gran virtud de excitar la curiosidad sobre el tema, una curiosidad que puede saciarse en este sitio, contrario a las tesis de la película, pero con muchos links a páginas favorables a ellas.
En cualquier caso, la mayoría de la gente cree hoy en día que la muerte de Kennedy fue el fruto de una conspiración, y en buena medida es gracias al film de Stone, que presenta una abrumadora cantidad de datos con un montaje extraordinario (obra de Joe Hutshing y Pietro Scalia, que se llevaron un merecido Oscar), con una mezcla asombrosa de formatos, texturas y colores. La mezcla es tan sofisticada que crea una deliberada confusión entre los documentos históricos y los planos ficticios, e incluso introduce algunas curiosas imágenes subliminales, si bien menos de lo que suele afirmarse.
A pesar de que Stone idealiza demasiado al presidente, la historia no nos ahorra detalles sórdidos y escabrosos: la autopsia es casi terrorífica, el coro de personajes que se mueven en Nueva Orleans es siniestro, y hay escenas, como la orgía en casa de Clay Shaw, de un verismo brutal. El verdadero protagonista de JFK, sin embargo, es Lee Harvey Oswald (sobresaliente Gary Oldman). A lo largo de todo el metraje vemos toda la extraña y triste vida de este hombre, cuyo papel en la gran tramoya nunca será del todo desvelado. "Nadie llorará por él", dice Jim Garrison (con la cara y la voz poco probables de Kevin Costner), y, sin embargo, a su manera, es tan digno de piedad como el rey caído de Camelot.

Una de romanos

2004-02-16T15:35:00.000+01:00

Esta noche echan Gladiator en la televisión. Una sencilla historia de venganza narrada con notable aparatosidad visual, ambientada en la época de la antigua Roma. Merece la pena revisarla para ver cómo desaprovechan al gran Derek Jacobi, cómo Joaquin Phoenix destroza un personaje tan interesante como el emperador Comodo, y lo bien que lucen (aunque a veces canten mucho) los efectos digitales de hoy en día, sobretodo en las dos mejores escenas: el combate inicial con los germánicos y, por supuesto, la espectacular lucha en la arena. De todos modos, buena parte de la materia argumental de Gladiator se cuenta mucho mejor en La Caída del Imperio Romano, la sombría película de Anthony Mann.
Como curiosidades, Gladiator es la última película de Oliver Reed (en un conmovedor papel), y el protagonista es un general de orígen español. La película tuvo un descomunal éxito, lo que ha matado tres pájaros de un tiro: le dio el estrellato a Russell Crowe (que en L.A. Confidential hacía de sí mismo), relanzó la renqueante carrera de Ridley Scott, y ha resucitado el cine histórico. Este año se estrenará Troya de Wolfgang Petersen y sucesivamente vendrán Alejandro de Oliver Stone, y Kingdom of Heaven, que el mismo Ridley Scott rueda por nuestros lares.
No está mal que haya vuelto un género tan interesante, de esos que veíamos con toda la familia, y que ha dado cosas tan estimables como Quo Vadis de Mervin LeRoy, Ben-Hur de William Wyler (mejor que las mudas, con perdón de los academicistas), Cleopatra de J.L. Mankiewicz, y Espartaco, de Stanley Kubrick. Las semanas santas y demás fiestas religiosas han abusado de este filón, pero siempre es agradable dejarse llevar por la nostalgia y ver esos miles de extras vitoreando a un general. Luego vendrían los peplums italianos y la decadencia del género: Gladiator es, en cierta medida, un sano retorno a los orígenes.

Pasen y vean

2004-02-15T19:12:00.000+01:00

Desde aquí os recomiendo a todos que visitéis dos blogs excelentes. Tannhäuser es la bitácora de Javier Iglesias Plaza, que se define como un replicante soñado, y que escribe muy bien sobre literatura, cine y arte, y que también colabora en el sitio de ciencia ficción, una web de referencia sobre el tema, con críticas contundentes y apasionadas. Anedonia es un blog muy bien diseñado, escrito a cuatro manos por namorita y faemino, con contenidos muy variados, como cine, música e informática. Ambos dos están en mi lista de enlaces, por supuesto.